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Música Clásica y ópera de Classissima

Joseph Haydn

domingo 26 de abril de 2015


Soundtrack cotidiano

12 de abril

Tema con variaciones en el blog: Géneros y formas musicales: El Concierto I

Soundtrack cotidianoEinar Goyo Ponte Con este post comienza una serie de 3 en la cual se reúnen los 10 programas radiales transmitidos ya por Radio Capital 710 AM en Caracas, de la serie sobre el género del Concierto en Tema con variaciones desde 2011 hasta 2014. En este primero van los cuatro continentes del Concierto desde su formato barroco hasta el clásico con Franz Joseph Haydn. 1. Transmitido el 10 de abril de 2011. Inicia la serie con la forma del Concerto grosso. 2. Transmitido el 24 de julio de 2011. Se dedica al concierto barroco para solista.  3. Transmitido el 7 de agosto de 2011. Va del concierto del último barroco al del primer clasicismo.  4. Transmitido el 21 de agosto de 2011. El Concierto desde la perspectiva de Franz Joseph Haydn.

Ópera Perú

10 de abril

Sociedad Filarmónica de Lima inicia tercer Ciclo Sinfónico

EL JUEVES 16 DE ABRIL A LAS 8 P.M. EN EL GRAN TEATRO NACIONAL, LA PRESTIGIOSA BACHAKADEMIE STUTTGART INAUGURA EL III CICLO SINFÓNICO 2015 DE LA SOCIEDAD FILARMÓNICA DE LIMAEs el primero de los 25 conciertos que integran la gran TEMPORADA 2015  de la SFL  Entérese cuál es la temporada 2015 de la Sociedad Filarmónica de Lima(Difusión) La centenaria Sociedad Filarmónica de Lima inicia sus actividades con la tercera edición de su Ciclo Sinfónico (4 conciertos) que se desarrollará, una vez más,  en el Gran Teatro Nacional, a partir del jueves  16 de abril.El ciclo que se desarrolla de manera paralela a la tradicional Temporada de Abono del Auditorio Santa Úrsula (21 conciertos),  reúne en esta ocasión a cuatro prestigiosas agrupaciones entre ellas a la BachAkademie de Stuttgart; la Academy of Saint Martin in the Fields, que en esta ocasión viene con el notable violinista  Joshua Bell como director; la Sinfonietta Tallinn y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Viena. La Internationale Bachakademie Stuttgart, con sus agrupaciones Gächinger Kantorei y Bach-Collegium Stuttgart, se han convertido en un sinónimo de reconocimiento internacional por sus actuaciones de alta calidad así como por su comunicación de la música.La temporada 2013/2014 marcó el inicio de una nueva era para esta institución musical, rica en su tradición: Hans-Christoph Rademann se hizo cargo de la dirección de la Academia Bach de Stuttgart en el verano del 2013. Junto con Gernot Rehrl, Gerente General y responsable de la gestión e imagen de la Academia Bach, han ideado un nuevo concepto para el futuro.Administrados por la Academia Bach, las agrupaciones Bach-Collegium y Gächinger Kantorei realizan una intensa actividad que comprende una amplia gama de conciertos, actuaciones con artistas invitados y grabaciones de discos. Parte importante de la labor de estos conjuntos es su participación en el Musikfestuttgart, así como en una significativa serie de conciertos de oratorios que van desde Schütz a obras contemporáneas por encargo. Un enfoque particular desde su creación ha sido la interpretación de obras vocales de Johann Sebastian Bach.El Coro de la Academia Bach, Gächinger Kantorei, fue creado en 1954 por Helmuth Rilling y lleva el nombre de un pequeño pueblo en las montañas de Suabia, al sur de Alemania. Durante décadas ha sido considerado como uno de los coros más destacados en el mundo. Además de sus actuaciones regulares junto al Bach Collegium Stuttgart, su socio instrumental, el coro trabaja frecuentemente con orquestas como la Filarmónica de Viena, Filarmónica de Nueva York y la Filarmónica de Israel. Asimismo, mantiene una estrecha relación de colaboración con la Radio Symphony Orchestra Stuttgart del SWR. Directores invitados como Masaaki Suzuki, Krzysztof Penderecki y Sir Roger Norrington colaboran regularmente con el coro.Con la orquesta Bach Collegium Stuttgart han logrado gran prestigio, interpretando tanto música barroca en parámetros históricamente informados, así como el repertorio de oratorio de nuestro tiempo.Importantes giras han llevado a ambos conjuntos a países de Asia, América Latina y varios de los principales festivales de Salzburgo, Lucerna, Praga, Nueva York, París, Londres, Viena y Seúl. Cientos de grabaciones de discos abarcan las obras vocales completas de Bach, y una amplia variedad de oratorios que van desde el siglo XVIII a numerosos estrenos, incluyendo obras de Penderecki, Pärt y Rihm.Hans-Christoph Rademann, Director. Estudió dirección coral y orquestal en la Escuela Superior de Música de Dresde. Cuando todavía era un estudiante fundó el Coro de Cámara de Dresde, que continúa dirigiendo. Fue Director Musical de la Academia de Canto de Dresde hasta 1999. Entre 1999 y 2004 fue director titular del Norddeutscher Rundfunk Chorus. Ha sido invitado para dirigir otros coros y orquestas líderes como Collegium Vocale Gent, Freiburg Baroque Orchestra y Akademie für Alte Musik Berlin. Una de sus especialidades es la música antigua, y en particular, la investigación de obras olvidadas del patrimonio musical de Dresde y Sajonia. En el ámbito de la nueva música, su interés radica en la constante exploración de nuevas perspectivas para desarrollar de manera más profunda la composición para voces. Numerosas grabaciones de obras de compositores como Ernst Krenek y Wolfgang Rihm reflejan la estrecha colaboración de Rademann con la música contemporánea. Es Director Titular de la RIAS Kammerchor desde 2007, director artístico del Festival de Música de Erzgebirge desde 2010 y Director de la Academia Bach de Stuttgart desde junio del 2013. También es profesor de dirección coral en la Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber", en Dresde. Ha recibido numerosos premios por su trabajo, incluyendo la Medalla Constitucional Saxon (2008), la Medalla Johann Walter del Consejo de la Música de Sajonia y el Premio de las Artes de la ciudad de Dresde (2014). Sus grabaciones han ganado el German Record Critics’ Award -en varias ocasiones, siendo la última en 2014-, así como el Classics Today Prize 10/10 y el Best Baroque Vocal Award (2014) por su interpretación del Magnificat de Carl Philipp Emanuel Bach. SOLISTAS Sebastian Kohlhepp, Tenor.- Nació en Limburg an der Lahn y  estudió con Hedwig Fassbender en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Frankfurt / Main.  Hizo su debut en la ópera Salomé, dirigida por Asher Fisch en la Ópera de Monte Carlo, logrando posteriormente un contrato de dos años en el Badisches Staatstheater Karlsruhe. Para la temporada 2013/2014, Kohlhepp se traslada a la Ópera Estatal de Viena, donde ha trabajado con famosos directores como Franz Welser-Most, Adam Fischer, Peter Schneider, Jeffrey Tate, Dan Ettinger y Patrick Lange. El año pasado hizo su debut en la Ópera Popular de Viena, donde interpretó el papel principal en la ópera de cámara Albert Herring, de Benjamin Britten, dirigida por Brigitte Fassbaender. Su repertorio abarca desde óperas y arias de las Pasiones de Bach a grandes oratorios y misas de los períodos clásico y romántico. En el 2013 realizó una gira por Europa con la ópera La pasión según San Mateo de J.S. Bach, presentándose en el Wiener Konzerthaus, Tonhalle Zürich  y el Concertgebouw de Brujas, además de otros escenarios en España y Hungría.Markus Eiche, Barítono.- Estudió en las Academias de Música de Stuttgart y Karlsruhe. Ha ganado varias becas y ha obtenido el primer premio del Concurso Internacional de Canto Francisco Viñas, de Barcelona.  Entre el 2001 y 2007 fue miembro del Teatro Nacional de Mannheim y, del 2007 hasta 2011 de la Ópera Estatal de Viena. Desde 2012 es profesor en la Universidad de las Artes de Zúrich. Desde el 2011, Markuse Eiche tiene contratos residenciales con la Ópera Estatal de Viena y la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich.  Entre sus próximos compromisos destaca su participación en la nueva producción de Manon Lescaut de Puccini, con la Ópera Estatal de Baviera, junto a Anna Netrebko y Jonas Kaufmann. Ha sido invitado al Teatro alla Scala de Milán, Nederlandse Opera de Amsterdam, Ópera Cómica de Berlín, Deutsche Staatsoper de Berlín y la Ópera Estatal de Stuttgart. Además se ha presentado en los festivales de Salzburgo y Bayreuth, así como en el Festival de Ópera de Múnich. Ha trabajado con directores de la talla de Kent Nagano, Kirill Petrenko, Zoltan Pesko, Helmuth Rilling, Adam Fischer, Alan Gilbert, Riccardo Muti, Chrisoph Eschenbach y Christian Thielemann, por mencionar solo algunos.Johanna Winkel, Soprano.- Sus estudios de canto comenzaron con Mechthild Böhme y Caroline Thomas, seguida de clases magistrales con Christina Scheppelmann, Ralf Popken, la Akademie für Alte Musik y Christa Ludwig. En el 2008 hizo su debut internacional en Nantes, cantando la Misa Nº 5 de Franz Schubert, junto con Peter Neumann y la orquesta de cámara alemana Concerto Köln. Posteriormente, ha actuado con conjuntos de renombre como Hamburger Symphonikern, SWR Vocalensembleand Sinfonieorchester, Chorwerk Ruhr y Chor des Norddeutschen Rundfunks; así como con directores de la talla de Jörg Straube, Sylvain Cambreling, Philipp Ahmann y Frieder Bernius, entre otros. Es invitada habitual en festivales como Bachfest Leipzig, Musikfest Berlin, Luzern Musikfestival y La Folle Journée de Nantes. En el 2009 recibió el primer premio en el concurso internacional Cantilena en Bayreuth.Ann Beth Solvang, Mezzosoprano.- Nacida en Noruega, realizó estudios en Rogaland Conservatory of Music en Stavanger y The State Academy of Operatic Art, en Oslo. Ha recibido premios como Shell Prize y Ruud Wallenberg Music Award. Entre el 2006 y 2008 fue miembro del International Opera Studio en la Staatsoper de Hamburgo, uniéndose posteriormente al conjunto de la Staatsoper de Hamburgo, hasta el 2011. Cuenta con un amplio repertorio que incluye una serie de misas, oratorios y ciclos de canciones de Monteverdi, Pergolesi, Vivaldi, Haendel, Mozart, Haydn, Mendelssohn y Mahler. Ha trabajado con directores como Alessandro De Marchi, Lawrence Foster, Riccardo Frizza, Philippe Jordan, Roberto Paternostro, Vasily Petrenko y Simone Young, entre otros. Entre sus próximos compromisos está su rol como Anita en el estreno mundial de Todo sobre mi familia, de Sondre Lerche y Atle Halstensen en Bergen National Opera;  su participación en Rosamunda de Schubert, con la Bergen Philharmonic Orchestra; así como en el Oratorio de Navidad de J.S. Bach, en el Theater an der Wien. ACERCA DE LA OBRA JOHANN SEBASTIAN BACH (1685 – 1750),  nació en Eisenach, Turingia, en 1685, el mismo año en que nacieron G. F. Händel y Domenico Scarlatti, y murió en 1750, en Leipzig. Perteneció a una familia de músicos integrada por varias decenas de intérpretes y compositores de destacado nivel. La figura más importante de esa familia de siete generaciones de artistas fue, sin duda, Johann Sebastian, quien cultivó intensamente y con extraordinarios resultados la composición de obras de prácticamente todos los géneros musicales propios de su época, salvo la ópera.En 1723 fue elegido para ocupar un cargo en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde transcurrió una buena parte de su vida y compuso muchas de sus obras religiosas. Bach escribió muchas cantatas que se interpretaban en los servicios religiosos luteranos de los domingos y los días festivos.Durante su estancia en Leipzig, además de desarrollar más de la mitad de sus obras musicales, terminó de componer la Misa en si menor (BWV 232), quizá la más importante y grandiosa creación de Bach, que ha merecido comentarios como el del músico suizo Hans Georg Naegeli, quien en 1818 dijo que era “la mejor obra de todos los tiempos y de todos los pueblos”.La creación de esta obra se concretó por partes durante un lapso de unos 25 años. Bach la fue gestando sin tener previamente un esquema definido. La primera pieza compuesta de toda la serie que constituye la Misa fue el Sanctus, originalmente elaborada para una celebración navideña de 1724. En 1733 compuso el Kyrie y el Gloria y los presentó como Misa a la corte de Dresde del rey Augustus III de Polonia, quien también era elector de Sajonia. Esta Misa breve, concebida conforme a los cánones luteranos, hizo que Bach, además de mostrar su genio creativo, se convirtiera a la larga en compositor honorario de esa corte. Las demás partes de la Misa son posteriores: datan del período comprendido entre 1747 y 1749, es decir, fueron concebidas durante los últimos años de su vida. Bach concluyó la Misa recurriendo en algunos casos a piezas anteriormente escritas por él, en las que introdujo algunos cambios. Así logró finalmente una obra maestra sorprendente por su unidad. Si bien la Misa fue terminada por el autor, Bach nunca llegó a oírla  completa. Treinta años después de su muerte, su hijo Carl Philipp Emanuel Bach interpretó la parte del Credo, y se dice que la misa completa fue estrenada solo en el siglo XIX, varias décadas después de su composición.Si bien la obra se conoce como Misa en si menor, cabe destacar que muchas de las partes no están en esa tonalidad, aunque la obra se inicia en ella y la retoma en algunas partes. La composición está dividida en cuatro grandes secciones indicadas por el propio autor. La primera, integrada por el Kyrie y el Gloria, conforme a lo establecido por el autor en la partitura original, lleva el nombre de Missa a 5 Voci, 2 Soprani, Alto, Tenore, Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversi, 2 Oboi, 2 Violini, Viola e Continuo di J.S Bach.[1]El Kyrie, siguiendo el texto litúrgico, se desarrolla en tres partes: Kyrie eleison, entonado por el coro; Christe eleison, interpretado por un dúo de voces femeninas y Kyrie eleison, expuesto en una nueva participación del coro más corta que la primera. El primer Kyrie, con su hondo carácter de invocación, pareciera ser la larga expresión de una humanidad que sufre y busca la compasión divina con el ¡Señor, ten piedad! Se inicia con un breve adagio coral, al que sigue un hermoso pasaje orquestal en el que destacan la flauta y el oboe. Luego se desarrollan una fuga a cinco voces y un nuevo interludio orquestal. Después vuelve el coro a la fuga, esta vez desde las voces más graves hacia las más agudas. El Christe eleison, compuesto en re mayor, tonalidad relativa de si menor, crea un clima esperanzado y consolador. Es un dúo de voces femeninas sobrepuesto a elaboradas melodías de los violines en el que se pueden advertir ciertas reminiscencias del estilo italiano. El último Kyrie, mucho más breve que el primero, presenta una construcción austera y rigurosa de fuga a cuatro voces del coro, en la que la orquesta reduce su lucimiento y pierde independencia. Esta parte recuerda a los desarrollos musicales propios de grandes maestros antiguos como Giovanni Pierluigi da Palestrina u Orlando de Lasso.Continúa la primera gran sección con el Gloria. Se inicia esta parte con el Gloria in excelsis, compuesto en la brillante tonalidad de re mayor. Desde el inicio aflora un júbilo especial que es resaltado por el uso de las trompetas. Frente al carácter triunfal del Gloria en las alturas, la parte correspondiente al Et in terra pax se desarrolla en un tempo un poco más lento e íntimo que sugiere  el carácter pausado de un caminar sereno por el mundo. El Laudamus te es una intensa aria en la mayor para voz femenina secundada por un violín solista. La voz humana y el instrumento de cuerda dialogan con espíritu alegre y florido con cierto aire italianizante. Gratias agimus tibi es el siguiente fragmento interpretado por el coro. Se trata de la música que perteneció primero a la cantata de Bach, Wir danken dir (Te damos gracias). El Domine deus es presentado por una soprano y un tenor, además de una flauta, que en esta pieza pareciera una voz más. La flauta inicia esta pieza en la que algunos han querido ver un carácter simbólico trinitario: han asociado a las tres voces con Dios Padre (tenor), Dios Hijo (soprano) y Dios Espíritu Santo (el soplo de la flauta). El Qui tollis peccata mundi, presentado por el coro, deriva de la primera mitad de la cantata de Bach Schauet doch und sehet, a la que el autor introdujo cambios en el tempo. Sigue el Qui sedes ad dexteram patris, un aria hermosa para contralto y oboe d’amore, en tempo andante. El penúltimo número de esta parte es el Quoniam tu solus sanctus, una elaborada aria para bajo en la que destaca el corno di caccia como instrumento principal del acompañamiento orquestal, y en el que también se dejan notar dos fagotes. Como último movimiento, cierra con brillo el Gloria el Cum Sancto Spiritu. Se trata de un vivace marcado, en forma de fuga a cargo del coro. En este movimiento destaca nuevamente la presencia de las trompetas que crean una atmósfera solemne y triunfal.La segunda gran sección de la obra es el Symbolum Nicenum a 5 voci, 2 Soprani, 1 Alto, 1 Tenore, 1 Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversieri (sic), 2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S Bach. Se trata del Credo, o Símbolo de Nicea, constituido por una serie de nueve partes en las que se alternan simétricamente intervenciones del coro con un dúo y un aria. Las piezas corales son las dos primeras (Credo in unum Deum, Patrem Omnipotentem), las tres centrales: 4, 5 y 6 (Et incarnatus est, Crucifixus, y Et resurrexit), y las dos finales (Confiteor, Et expecto resurrectionem mortuorum). El dúo de soprano y alto es la tercera pieza (Et in unum Dominum Jesum Christum). El aria, cantada por el bajo, es la pieza sétima (Et Spiritum Sanctum Dominum). Teniendo en cuenta lo señalado, es posible reconocer la existencia de un propósito constructivo formal en el compositor: a dos intervenciones del coro sigue el dúo, después el coro interpreta las tres piezas centrales, en las cuales se presentan aspectos fundamentales del cristianismo: la Encarnación, la Crucifixión, y la Resurrección de Cristo. En estas piezas Bach ha creado música de gran valor y extraordinaria capacidad expresiva asociada a cada uno de esos importantes acontecimientos religiosos y a la letra que los refiere. Esta es la parte central del Credo, esa compleja arquitectura musical elaborada por el músico a partir de simetrías e inversiones que tienen como pieza central y clave al Crucifixus (la quinta pieza de un total de nueve). Y para completar el Credo, como en un reflejo al espejo en el orden de aparición de las piezas, aparece el aria del bajo y luego dos partes corales. Algunos estudiosos han atribuido un carácter simbólico o especialmente significativo a tal esquema arquitectónico. Es posible decir que esa simetría inversa corresponde a una organización jiásmica de las partes. El término jiasmo deriva del nombre y la pronunciación griega de la letra  χ (ji), cuyo diseño gráfico se concreta con dos trazos simétricos, pero invertidos. Cabe señalar que resulta sugerente la asociación que secularmente se estableció entre Cristo y la primera letra de su nombre escrito en griego, el cual empieza con la letra χ (ji): χριστός.Distintas partes del Credo provienen de cantatas del mismo Bach. Por ejemplo, el Patrem Omnipotentem, Crucifixus, y Confiteor, derivan de  las cantatas 171 (Gott, wie dein Name, so ist auch dein Ruhm), 12 (Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen) y 120 (Jauchzet, ihr erfreute Stimmen)A continuación, como tercera gran sección, aparece el Sanctus, escrito para seis voces, dos sopranos, dos contraltos, tenor, bajo y orquesta (trompetas, tambores, oboes, violines, viola y continuo) en la tonalidad de re mayor. Como se ha dicho, esta pieza es la más antigua de la misa, pues data de 1724. Cabe destacar que el coro ha pasado de cinco a seis voces en esta pieza compuesta en la tonalidad jubilosa de re mayor. Si bien el compás es cuaternario, el empleo de tresillos crea una atmósfera ternaria, la cual, unida a otros recursos, como el empleo de tres oboes (en vez de dos, como sucede en otras partes de la obra), además de las tres trompas, y la división, en ciertas partes, de las seis voces en dos grupos de tres, han llevado a algunos estudiosos a atribuir un carácter simbólico trinitario a esta parte de la obra[2]. La cuarta gran sección lleva la siguiente inscripción: Osanna, Benedictus, Agnus Dei et Dona nobis pacem ab 8 Vocibus, 2 Soprani, 2 Alti, 2 Tenori, 2 Bassi, 3 Trombe, 2 Tamburi, 2 Traversieri ,2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S. Bach. En el Sanctus escrito años atrás para la liturgia luterana, Bach, como era regular en ese culto, solo había incluido las partes relativas al Sanctus y el Pleni sunt coeli, y no el Hosanna y el Benedictus propios de la liturgia católica romana. Por ello en la versión final de la Misa en si menor, añadió en la cuarta gran sección aquellos textos que había omitido en la tercera. Con esta incorporación se completaba una misa católica, aunque no apareciese estrictamente dividida en las cinco grandes secciones habituales (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, Agnus Dei).Inicia la serie, el Osanna, interpretado por coro doble. A esta pieza sigue el Benedictus, un aria para tenor acompañada de flauta solista. Luego vuelve el coro con el Osanna in excelsis.Continúa la obra con el Agnus Dei, que es un aria para contralto compuesta en la tonalidad de sol menor, con violines de acompañamiento. Esta gran obra finaliza con el Dona nobis pacem, pieza presentada por un coro a cuatro voces y escrita en la brillante tonalidad de re mayor. Tanto el aria como el coro están tomados de otras obras, el Oratorio de la Ascensión y la cantata nº 24 (Wir danken dir, Gott).Con esta composición, Bach logró construir un extraordinario monumento musical en el que se integran armónicamente estilos, tradiciones musicales y piezas concebidas en distintos momentos de su vida. Además, la Misa en si menor, con toda su grandiosa y honda belleza, es una muestra del espíritu ecuménico que es capaz de integrar a diversas comunidades humanas a partir de la concentración en aquello que es fundamental para el hombre y su alto destino, y sabe dejar de lado las diferencias menores o puramente formales.Nota: La venta de abonos se realiza en TELETICKET y como siempre considera precios especiales para estudiantes, docentes, jubilados y público en general. Asimismo precios corporativos. [1] Salazar, Adolfo. Juan Sebastián Bach, un ensayo. México: El Colegio de México, 1951. p. 321[2] Ver al respecto Tarín, Carlos. La Misa en Si menor de Bach: el legado (http://orfeoed.com/grandeso/misab.asp)




Ópera Perú

9 de abril

Conservatorio estrena clavecín Taskin

(Difusión) El jueves 16 de abril será un día muy especial para el Conservatorio, ya que se inaugurará con un gran Concierto el Clavecín Taskin recientemente adquirido por nuestra institución. Este concierto, titulado El Clavecín, instrumento solista y en Música de Cámara. “Tesoros musicales de los siglos XVII y XVIII”, tendrá como escenario el Auditorio AFP Integra del Museo de Arte de Lima (MALI), ubicado en Paseo Colón 125, Parque de la Exposición – Lima, y se iniciará a las 7:00 p.m. Esta velada musical constituye una gran ocasión para que, a través de los sonidos del clavecín, el espectador pueda transportarse a los siglos XVII y XVIII. Se interpretará obras de Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti, Jean Philippe Rameau, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, entre otros. La ejecución musical estará a cargo de los alumnos de la Clase Maestra de la profesora Ana Savaraín, quien gestionó la fabricación de este impresionante instrumento musical construido a mano exclusivamente por el atelier Henk Klop en Europa, durante un periodo de cuatro meses, a semejanza de los clavecines del siglo XVIII.Como se puede recordar, el Clavecín Taskin –que será inaugurado en este concierto– llegó al Conservatorio durante los primeros días de enero y es un instrumento musical de teclas y cuerdas rasgueadas, muy conocido y utilizado durante el Barroco, época de oro tanto de la composición musical como de la construcción de estos instrumentos, cuyos constructores Hemsch y Taskin son los mayores exponentes en el mundo.Este concierto es uno de los imperdibles del año, no solo porque es una fantástica oportunidad para apreciar el virtuosismo de este hermoso instrumento musical que es poco difundido en nuestro medio, sino porque se podrá compartir con la familia del Conservatorio esta importante adquisición, que nos pone a la vanguardia de las mejores instituciones de formación musical en el mundo.

Ópera Perú

9 de abril

OSN inicia temporada de otoño

© MinCul(Ópera Perú) La Orquesta Sinfónica Nacional  presentará diversos programas a partir del viernes 10 de abril, iniciando su temporada de otoño 2015 en el Gran Teatro Nacional. Todos los conciertos se realizarán, como siempre, a las 8:00 pm, y además el domingo 28 de junio a las 11:00 am.© CeacEl director peruano David del Pino Klinge vuelve para hacer su habitual residencia anual en Lima en la que dirigirá dos programas. En el primero el solista invitado será el trompetista italiano Gabriele Cassone. En este concierto escucharemos la obertura de la ópera "La gazza ladra" de Gioacchino Rossini, el Concierto para trompeta en mi bemol de Joseph Haydn, y el estreno peruano de “Nobody knows the trouble I see, Concierto para trompeta” de Bernd Zimmermann. El programa concluye con Los pinos de Roma de Ottorino Respighi. Este será un programa que incluye piezas brillantes.Gabriele Cassone © MinCul © Yolanda AuyanetEl segundo concierto dirigido por Del Pino será el 17 de abril y presentará a la soprano española Yolanda Auyanet. En este programa escucharemos un estreno mundial, un estreno nacional y un clásico del repertorio. Primero, escucharemos el estreno en Perú de Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, en una orquestación del compositor italiano Luciano Berio. Luego, el estreno mundial de seis canciones de Treinta y un canciones del alma vernácula del compositor peruano Theodoro Valcárcel, a propósito del homenaje a su obra que se le hace durante todo el año. El programa se cierra con la famosa Sinfonía n.º 7 en la mayor, op. 92 de Ludwig Van Beethoven, "apoteosis de la danza" como la describió Wagner un día.Carlos Vieu © MinCulLa temporada continúa el 8 de mayo, con dos invitados argentinos. Primero, el reconocido director Carlos Vieu, frecuente en las temporadas del Teatro Colón y la Filarmónica de Buenos Aires, acompañará al  bandeononista Daniel Binelli, consagrado miembro de la mítica banda de Astor Piazzolla. Ambos artistas interpretarán música argentina de Piazzolla (Aconcagua, Milonga del Ángel, Chiquilín de Bachín, Decarísimo, Adiós Norino y Fuga y Misterio) y el programa incluirá el estreno nacional de la Elegía, fantasía para piano y orquesta de Ariel Hagman.Daniel Binelli © MinCulPablo Sáinz Villegas © MinCulEl 29 de mayo, el director venezolano José Luis Gómez y el guitarrista español Pablo Sáinz Villegas, ofrecerán un programa que incluye el estreno de Trovadores, variaciones para guitarra y orquesta de John Corigliano, así como otras obras por confirmar.© John NeschlingLa temporada termina con un programa especial en dos funciones. El viernes 26 de junio a las 8:00 pm. y el domingo 28 a las 11:00 am. Veremos al famoso director brasileño John Neschling, quien es sobrino nieto de Arnold Schönberg y del maestro Arthur Bodanzky, y además estudió con Hans Swaeowsky en Viena y con Leonard Bernstein en Tanglewood. Neschling dirigirá al Coro Nacional, OSN y solistas en la Misa en Do Mayor de Ludwig Van Beethoven. En esta participarán como solistas Ximena Agurto, Rosángela Merino, Álvaro López y Fernando Vizcarra. El programa se completa con la Sinfonía n.º 4 en re menor, op. 120 de Robert Schumann.Las entradas siempre están a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro. Niños menores de 12 años, jóvenes del Servicio Militar, universitarios, jubilados y afiliados a CONADIS reciben el 50% de descuento.



Ópera Perú

9 de abril

OSNJ presenta ambicioso programa este domingo

Lukáš Vondráček, Pianista checo (Difusión MinCul)La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil presentará este domingo un ambicioso programa que incluye el Dueto-Concertino para clarinete, fagot, cuerdas y arpa de Richard Strauss, La Rapsodia sobre un tema de Paganini, Op. 43, para piano y orquesta de Sergei Rachmaninov y la famosa Sinfonía no. 5 de Ludwig V. Beethoven. Los solistas serán los peruanos Gonzalo Guerra en el clarinete y Mauricio Quiñe en el fagot. Ambos son miembros de la OSNJ. La obra de Paganini será interpretada por el pianista checo Lukáš Vondráček. La dirección estará a cargo de su titular, Pablo Sabat.Lukáš Vondráček debutó a los cuatro años de edad como pianista. A los 15 años se presentó por primera vez con la Orquesta Filarmónica Checa dirigida por Vladimir Ashkenazy, a lo que siguió una importante gira por los Estados Unidos en 2003. Gracias a su segura y natural musicalidad, junto a su remarcable habilidad técnica, Vondráček se ha destacado como un músico de gran talento y madurez. En el transcurso de su carrera ha trabajado con directores de la talla de Paavo Järvi, Gianandrea Noseda, Marin Alsop, Christoph Eschenbach, Zdeněk Mácal, Pietari Inkinen, Vasily Petrenko, Jakub Hrůša, Christoph Poppen, and Anu Tali.Sus actividades para la temporada 2014-2015 incluyen conciertos con la Orquesta Sinfónica de Trondheim con Krzysztof Urbanski y con la Orquesta Sinfonica del Estado de Sao Paulo dirigida por Marin Alsop. Este año, Vondráček presentará un recital en el Queen Elizabeth Hall en Londres como parte de las International Piano Series. También ha actuado como recitalista en el Wigmore Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, la Tonhalle de Zurich, la Konzerthaus de Viena, la Concertgebouw de Amsterdam, la Casa da Musica en Porto, el Palais des Beaux Arts en Bruselas, la Cité de la Musique de París, el Auditorio Nacional de Madrid, la Washington Performing Arts Society, las Boston Celebrity Series así como el Festival La Roque d’Anthéron y el Gilmore Festival. Regularmente se presenta con agrupaciones tales como las Filarmónicas de Londres, San Petersburgo y la Royal Liverpool, la Philharmonia y la Gulbenkian; la Sinfónica de Viena, la Orquesta Tonhalle de Zurich, la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlin, la NDR Sinfonieorchestrer de Hamburgo, la Orquesta Sinfónica NHK de Japón y las Orquestas Nacional de Washington y la de Cincinnati. Ha realizado giras con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y la West Australian y Sidney Symphony.Luego de estudiar en la Academia de Música de Katowice (Polonia) y en el Conservatorio de Viena, Lukáš Vondráček obtuvo un Diploma de Artista con Honores en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, en Boston, donde estudió con Huang-Kuan Chen Ha recibido los primeros premios en los concursos internacionales de Hilton Head y San Marino y obtenido distinciones en la Unisa International Piano Competition de Pretoria, South Africa, así como el Raymond E. Buck Jury Discretionary Award en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn del año 2009. Su primera grabación comercial es un disco con obras de Mendelssohn, Liszt, Janáček and Dohnányi, del año 2004.Realizó una segunda en el año 2012 con obras de Haydn, Rachmaninoff y Prokofiev. Su disco más reciente, con música de Brahms, salió al mercado en el otoño de 2013 en el sello ORF.El concierto será este domingo a las 5:30 pm en el Gran Teatro Nacional. Entradas en Teleticket y boletería.II CONCIERTOOrquesta Sinfónica Nacional JuvenilLukas Vondracek, piano (Rep. Checa) Gonzalo Guerra, clarinete (OSNJ - Perú) Mauricio Quiñe, fagot (OSNJ - Perú) Pablo Sabat, director (Perú)Programa: R. Strauss: Dueto-Concertino para clarinete, fagot, cuerdas y arpa S. Rachmaninoff: Rapsodia sobre un tema de Paganini, Op. 43, para piano y orquesta Beethoven: Sinfonía No. 5, Op.67.Domingo 12 de abril, 5.30 pm. Gran Teatro Nacional

Cantan ellas - El Blog de Maac

8 de abril

Cecilia Bartoli

Cecilia Bartoli nació en Roma, donde comenzó sus estudios musicales de la mano de sus padres, también cantantes. Durante más de dos décadas ha sido una de las artistas más destacadas de la música clásica, ha vendido más de diez millones de discos, ha estado más de cien semanas en las listas pop internacionales y ha conseguido con su trabajo numerosos discos de oro, además de cinco Grammys y otros prestigiosos galardones. Es una cantante mediática, con gran poder de comunicación, que además de sentido melódico en los momentos de abandono, posee una capacidad técnica fuera de lo común para exponer con facilidad los adornos vocales más endiablados. Cada uno de sus nuevos trabajos se esperan por los aficionados con impaciencia y curiosidad. Ha sido, además, la primera mujer en ser nombrada directora artística del Festival de Salzburgo. Después de consolidarse como cantante mozartiana y rossiniana,, Cecilia Bartoli, lleva ya algunos años interesándose por los repertorios más recónditos del barroco y el clasicismo, llegando a convertirse en un auténtico fenómeno con sus recitales dedicados a Vivaldi, Gluck, Salieri y a los castrados del XVIII, a Maria Malibran y, más recientemente, a Agostino Steffani. Aunque su carrera profesional comenzó en 1988, hace 25 años, su presentación escénica tuvo lugar a la edad de 8 o 9 años, como pastor, en una Tosca, en la Ópera de Roma. Más tarde, durante un corto período de tiempo estudió piano y trompeta y se interesó por el baile, entrando  a formar parte de una compañía semiprofesional italiana dedicada al flamenco. Así que su primera intención había sido ser bailarina de flamenco pero descubrió que su instrumento no estaba ni en sus brazos ni en sus piernas, sino que se encontraba en su garganta y  a  la edad de dieciséis años comenzó a tomar lecciones de canto de su madre, la soprano Silvana Bazzoni. Después ingresó en la Academia de Santa Cecilia de su ciudad natal, comenzando entonces su gran pasión por la música. Ya con voz impostada de mezzosoprano su presentación fue en 1985, tenía 19 años, participando en un concurso de televisión de la televisión italiana que se emitía los sábados por la noche. Su primera ópera en escena fue en la Ópera de Roma interpretando el papel de Rosina en El barbero de Sevilla, coincidió en el escenario con la despedida de su padre, que era miembro del coro y estaba a punto de jubilarse. La escuchamos en "Una voce poco fa" de El barbero de Sevilla en el Schwetzingen Festival (1988): Posteriormente fue invitada para participar en un homenaje a Maria Callas en el Teatro de la Ópera de Paris, donde cantó el rondó de La Cenerentola, que fue retransmitido en directo. En esa retransmisión la escucharon dos grandes directores de orquesta y se fijaron en ella: Barenboim y Karajan. Karajan la llamó a Salzburgo para hacer una audición, trabajó con él en la Misa en si menor de Bach, tenían proyectado interpretarla en abril de 1990 en Salzburgo, pero al morir Karajan no fue posible llevarlo a cabo, con Barenboim (también con Harnoncourt) trabajó el repertorio mozartiano, según ella misma confiesa no pensaba que su voz fuera adecuada para Mozart hasta que con Barenboim estudió los papeles de Cherubino y Dorabella, gracias al director argentino tomo conciencia de que el repertorio del salzburgués no está reservado a cantantes del ámbito germánico, y que los italianos le dan una idiomaticidad difícil de encontrar en aquéllos, el resultado de la colaboración con Barenboim fueron las grabaciones de Las bodas de Figaro y Cosi fan tutte, y las representaciones de ambas en la ópera de Chicago. Con el tiempo fue asumiendo, con la excepción de Donna Anna,  todos los roles femeninos de la trilogía Da Ponte: Las bodas de Figaro, Cosi fan tutte y Don Giovanni. Por aquellas fechas, tras una audición en Bolonia, consiguió un contrato en exclusiva con DECCA, sus primeras grabaciones para este sello fueron El barbero de Sevilla y un recital con obras de Rossini, le siguieron otros discos de Rossini, por supuesto, pero también de Mozart. La escuchamos ahora cantando "Il tenero momento" de Lucio Silla de Mozart: Después vendría su colaboración Chaillyy recitales con Chung y Andràs Schiff, con el que grabó la cantata de Haydn Ariadna en Naxos y canciones de Schubert y Beethoven, también ha trabajado con los fallecidos Georg Solti, Giuseppe Sinopoli y otros todavía en activo entre los que se encuentran James Levine (con el que grabó a finales de los 90 un recital dedicado a canciones de Rossini, Bellini y Donizetti bajo el título An Italian Songbook ), Marc Minkowski,  William Christie, Christopher Hogwood, Claudio Abbado o Giovanni Antonini. Ahora la escuharemos en "Vedi quanto adoro ancora ingrato" de Schubert: Se presentó en España por primera vez en un Barbero que se representó en el Liceu de Barcelona en 1990 antes del incendio. En aquellas funciones del Liceo la mezzo interpretó el papel de Rossina acompañada por su madre que interpretaba el papel de Berta. En la ópera de la Bastilla había debutado en 1990 como Cherubino, y en  1991 debutó en La Scala con Le comte Ory. Su debut en el Metropolitan de Nueva York tuvo en 1996 cantando Despina en Cosi fan tutte, volvería a cantar allí Angelina (La Cenerentola) y Susanna (Las bodas de Fígaro). En 1989 fue el Cherubino de Las bodas de Figaro de Mozart en Zurich a las órdenes de Nikolaus Harnoncourt,  incrementando su vinculación con el teatro de esta ciudad suiza, porque dicho teatro tiene el tamaño adecuado para su voz y también debido a su matrimonio con un barítono suizo que le llevó a instalar su residencia cerca de allí. Podemos decir por lo tanto que Zúrich es su casa operística. Pero Bartoli no se ha dedicado sólo al repertorio belcantista, cabe recordar al respecto que uno de sus grandes discos, el titulado In paradisum, de 1999,  junto al barítono galés Bryn Terfel y a las órdenes de Myung-Whun Chung,, interpreta los réquiems de Gabriel Fauré y Maurice Duruflé. Asimismo, con Chung al piano, Bartoli grabó en 1996 un recital de música de autores franceses como Ravel, Bizet, Berlioz y Delibes, titulado Chant d’amour. De este disco podemos esuchar "Ouvre ton coeur" de Bizet: Señalaremos también que en sus últimos recitales discográficos ha intentado que haya una histoira detrás que sirva de hilo argumental, como su homenaje a María Malibran, no sólo como cantante, sino como una mujer que se siente libre e intenta emanciparse en el siglo XIX, Sacrificium: dedicado a la castración, un auténtico sacrificio, de miles de niños al año en nombre del arte en la Italia del XVII y XVIII a consecuencia de la prohibición de cantar las mujeres en la ópera en el siglo XVIII, su trabajo Ópera Proibita se centra en la prohibición papal de las óperas en Roma, lo que posibilitó el desarrollo del oratorio y del melodrama sacro, y su último disco se titula St. Pettersburg y está dedicado a la música del s.XVIII escrita por italianos y alemanes para la corte rusa, escuchamos un fragmento de este último disco: . Y para finalizar su trayectoria y como curiosa y extraña anécdota  recordemos que en 1993  participó en la grabación de una versión de la ópera Manon Lescaut de Puccini a las órdenes de James Levine, en la que intervenían Mirella Freni y Luciano Pavarotti. La actividad operística no es prioritaria para Bartoli, su presencia se limita a dos producciones al año, o tres como mucho. En la temporada pasada intrepretó dos roles de soprano Adele en El conde Ory (en Viena) y Norma (Salzburgo), en cuanto a recitales intenta no ofrecer más de 50 al año. LA VOZ DE CECILIA BARTOLI. Tanto en el Barroco, como en tiempos de Mozart o Rossini, no existía la voz de mezzosoprano como tal o existía pero no estaba catalogada así, podríamos decir que para interpretar  este tipo de roles de soprano del repertorio barroco, mozartiano y rossiano se necesitan voces elásticas, con un amplio dominio en la zona central y suficiencia en el agudo, y así es la voz de Cecilia Bartoli, que podemos calificar como la de una mezzosoprano de agilidad o de coloratura. Así la define ella, pero la voz de Bartoli no es fácil de clasificar, no es una mezzo típica y ha ido incorporando a su repertorio roles de soprano; por ejemplo, Susanna en Las bodas,  Donna Elvira en Don Giovanni,  la Cleopatra de Giulio Cesare de Haendel, Amina de La Sonnambula  o en versión concierto en Dortmund hace cuatro años,  Norma, posteriormente aparecería su grabación comercial. Su timbre es más claro que oscuro, sobre todo para ser una mezzo, es además cálido, dulce y muy fresco, Bartoli está especialmente dotada para la ligereza en el trino, las escalas, la coloratura martellata, y tiene una amplia capacidad para dosificar la voz, lo que habitualmente se conoce como fiato y mantener un canto ligado. Domina tanto el canto íntimo y elegíaco como el ornamentado y de coloratura, resultando siempre muy expresiva, expresividad que se basa en una dicción muy limpia y en la la riqueza de dinámicas y colores extraordinarios. Es una intérprete muy temperamental, vital y apasionada, capaz de expresar al cantar tanto el más intenso dramatismo como la mayor de las alegrías. Sus interpretaciones son una mezcla insuperable de espontaneidad, reflexión  y rigor, nunca descuida la musicalidad, respeta minuciosamente la traducción del texto, busca siempre la elección de un colorido vocal que le permita encontrar el clima dramático de cada momento cuidando especialmente las ornamentaciones. Conoce a la perfección aquello que interpreta puesto que es el resultado de un profundo estudio y plantea su trabajo desde una óptica cercana al historicismo, aunque nunca deja de implicarse emocionalmente en su trabajo. Ella se considera como una intérprete ideal del repertorio del siglo XVIII, así, tras sus comienzos en el repertorio rossiniano -Barbero, Cenerentola, L'Italiana- se dirigió hacia otros repertorios del período clásico como los de Mozart, Salieri y Gluck, y finalmente miró hacia el Barroco, podríamos  decir que hizo un recorrido inverso al desarrollo histórico del canto, dirigiéndose hacia los orígenes para desde allí y sin descuidar el Barroco volver otra vez al repertorio romántico italiano de la primera mitad del XIX –disco dedicado a Malibran, Sonnambula, Norma- . Es una de esas cantantes que parecen estar destinadas a que se hable de ellas y de las que se aman o se odian, he intentado recoger algunas de las críticas que le hacen los más puristas del canto: - Algunos la critican diciendo que no es una mezzo sino que es una soprano con cierta oscuridad en la voz que le ha permitido enfrentarse a roles de mezzosoprano. - Otros que su emisión es engolada, es decir, poco cubierta y sale como empujada, lo que le lleva a producir sonidos parecidos a los que se emiten al bostezar o que  emite sonidos “de gola” como de Oso Yoghi. - Los hay que no están de acuerdo con que sea engolada, dicen que si fuera engolada no se le escucharía en el teatro porque su voz es más bien pequeña, entonces hablan de entubamiento, en el sentido de que su problema es que entuba los sonidos, que emite demasiado abajo para poder encontrar graves que no suenan muy naturales. - Sus defensores justifican este entubamiento en cuanto lo considera un recurso expresivo, una aspereza que utiliza Bartoli para dotar de una especial expresión a la palabra que está diciendo en esos momentos, que podría ser, por ejemplo, naufragar. - También hay quien dice que su emisión es mala porque cuando da los agudos lo sebresalen los tendones del cuello. - O que explota la voz de pecho hasta límites exagerados. - Que sus registros escindidos y carece de homogeneidad - Que no hace las ornamentaciones "col fiato", que sería la forma más ortodoxa de hacerlas sino que las hace con movimientos de la laringe, que es la manera más rápida y fácil pero no la adecuada. - Que abusa de la coloratura "martellata"” (imaginemos el sonido seco y cortante de un martillo dando golpes) incluso cuando en la partitura aparece como ligada. -  Que nunca emplea el fote, sino que abusa del piano, pianísimo o mezzoforte. Pero los aficionados no debemos ser tan ortodoxos y es conveniente que nos fijemos más en el resultado que en el procedimiento. Es cierto que tiene algunos de estos límites como por ejemplo el ya señalado de una tesitura indefinida entre mezzo y soprano,  una regulación de incontables volúmenes. o un tamaño de voz reducido, que requiere espacios íntimos y recogidos, pero no es menos cierto que ella sabe hacer virtud de estas limitaciones. Bartoli sabe llegar al meollo de cada pieza que interpreta porque sabe escogerlas y une dicción con canto, musicalidad con estilo y expresión con ornamentos. Estoy seguro que con su fuerza escénica, su encanto, sensibilidad, gusto, originalidad y variedad de registros expresivos puede hacer pasar una tarde inolvidable a cualquier espectador que asista a uno de sus conciertos. Y para terminar una canción de Bizet que me gusta especialmente, "La coccinelle":

Joseph Haydn
(1732 – 1809)

Joseph Haydn (31 de marzo de 1732 - 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío para piano y en la evolución de la forma sonata. Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original». En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa. Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven. El listado completo de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.



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