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Música Clásica y ópera de Classissima

Joseph Haydn

sábado 23 de mayo de 2015


Ópera Perú

11 de mayo

Salzburg Chamber Soloists este 16 de mayo

Ópera PerúDfusión SFL(Difusión SFL) Continuando con su Temporada de Abono 2015, la centenaria Sociedad Filarmónica de Lima presenta este sábado 16 de mayo en el Auditorio Santa Úrsula a la agrupación Salzburg Chamber Soloists, que llegará acompañada del pianista Andreas Klein como solista. El programa que ofrecerá es el siguiente: Adagio y fuga para cuerdas en do menor, KV. 546 de W.A. Mozart, Concierto para piano N° 4 de L. van Beethoven; Preludio de la ópera Tristán e Isolda, de R. Wagner en un arreglo para cuerdas por S. Gürtler; y Noche transfigurada Op. 4, de A. Schöenberg.Sigue a Ópera Perú en Facebook y Twitter. Salzburg Chamber Soloists En 1991, el violinista Lavard Skou-Larsen y un grupo de músicos colegas decidieron formar un ensamble inusual, cuyo objetivo era interpretar música de cámara orquestal con la libertad que caracteriza a los solistas. Su inspiración fue el inolvidable Sandor Végh, cuyo carisma ha sido una considerablemente influencia para muchos miembros del grupo.Ya en su primer año de existencia, la orquesta realizó su primera gira por los Estados Unidos y Canadá, y gracias a su éxito surgieron invitaciones para numerosos conciertos con celebridades como Boris Belkin, Mischa Maisky, Michel Dalberto, Rodolfo Bonucci, Jean-Bernard Pommier, Giora Feidman y Alexander Lonquich. Otro gran suceso fue la participación de la orquesta en La Folle Journée Mozart en Nantes (Francia), en 1995. Desde entonces, se han presentado en el Concertgebouw; la Philharmonie de Berlín; el Théatre des Champs-Elysées, París; la Tonhalle de Zurich; el Teatro Municipal de Río de Janeiro; Teatro Colón, y otras importantes salas de concierto.Los Salzburg Chamber Soloists suelen presentarse regularmente en numerosos festivales, entre ellos el de la Academia Chigiana de Siena; el Turku Musikfestival de Finlandia; el Festival Mozart en Würzburg; el Schubertiade de Roskilde; el MIDEM de Cannes; y el Salzburger Kulturtage.En Enero de 2002 el grupo realizó una gira por Alemania junto a la actriz Senta Berger, interpretando Las 8 estaciones de Antonio Vivaldi y Astor Piazzolla. Un especial suceso en el año 2003 consistió en una gira por Alemania junto a Giora Feidman, interpretando klezmer judío junto a tango argentino.En el 2006, celebrando el aniversario de los 250 años del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, la orquesta realizó 17 conciertos en Salzburgo en el prestigioso Grosser Saal des Mozarteums.Desde el 2008 la orquesta toca regularmente en el concierto de apertura de la Academia Internacional de Verano del Mozarteum/Salzburgo, en calidad de orquesta residente.En el 2013 debutaron en Nueva York en el Metropolitan Theater. Para la temporada 2014/15 actuarán como ensamble de música de cámara oficial en el ciclo de conciertos "Resonancia" de Le Havre, Francia. Andreas Klein, pianoEl pianista de origen alemán Andreas Klein se ha distinguido como un artista dinámico y convincente, gracias a su dominio de una amplia gama de colores tonales e imaginativas interpretaciones. El New York Times se ha referido a Klein como "Un artista fascinante… hace que los silencios suenen como música".La carrera de Andreas Klein como solista lo ha llevado a los lugares más prestigiosos del mundo, desde el Wigmore Hall de Londres, la Filarmónica de Berlín, el Carnegie Hall de Nueva York y el Alice Tully Hall, al Kennedy Center de Washington DC. Se ha ganado elogios de la crítica por sus actuaciones en ciudades como Berlín, Roma, Milán, Berna, Leipzig, Dresde, Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Washington DC y la Ciudad de México.Su repertorio incluye todos los conciertos de Mozart y Beethoven. Asimismo, ha colaborado con algunos de los mejores conjuntos de la actualidad. Durante el año del Aniversario de Mozart, realizó el Concierto de Mozart KV 415 con la orquesta de cámara Salzburg Chamber Soloists a lo largo de todo Estados Unidos. El Washington Post escribió "el articulado y fluido pianismo del inteligente solista Andreas Klein conjugó bellamente con el sonido de la orquesta en esta obra cristalina" en respuesta a su actuación en el Kennedy Center junto a la orquesta de cámara Festival Strings Lucerne.En el 2009, se unió nuevamente a la agrupación Salzburg Chamber Soloists en una conmovedora interpretación de la versión para cuerdas del Concierto para Piano Nº 4 de Beethoven. Klein interpretó el mismo concierto junto al Kammerakademie Neuss, en Düsseldorf y recientemente se unió al Cuarteto Casals interpretando el Quinteto para piano de Schumann en las principales ciudades de Estados Unidos.Las grabaciones de sus discos han recibido grandes elogios de la crítica, de directores y presentadores por igual. El Deutschland Sender y la radio DS Kultur registraron y conservaron sus interpretaciones de obras de Busoni, Ginastera, y Stravinski para sus archivos.Andreas Klein se graduó en la Escuela Juilliard y complementó sus estudios con el legendario Claudio Arrau y Nikita Magaloff. Copias de su disertación sobre los Estudios de Chopin se encuentran en las bibliotecas de la Sociedad Chopiniana de Viena y Leipzig, y descargables en la Biblioteca de la Universidad de Rice.  ProgramaW.A. MOZART (1756 – 1791)Adagio y fuga para cuerdas en do menor, KV. 546 L.VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)Concierto para piano N° 4  (arreglo para cuerdas por S. Gürtler)RICHARD WAGNER (1813 – 1883)Introducción de Tristán und Isolde A. SCHÖNBERG (1874 - 1951)Noche transfigurada Op. 4Notas al ProgramaWolfgang Amadeus Mozart  (1756 – 1791)Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Fue el hijo menor de Ana María Pertl y de Leopold Mozart, un músico que prestaba servicios en la corte del Príncipe-arzobispo de Salzburgo. Desde muy niño, Wolfgang mostró su condición de genio musical pues era capaz de interpretar obras leídas a primera vista, de improvisar y de componer. Consciente de que su hijo era un niño prodigio, Leopold lo llevó de gira por diversas ciudades europeas en las que Wolfgang impresionó a los aristócratas por su habilidad para tocar el clavecín y otros instrumentos. Sus presentaciones públicas empezaron con un concierto en la Universidad de Salzburgo realizado en setiembre de 1761, es decir, cuando tenía cinco años de edad. En enero de 1762, pocas semanas antes de cumplir los seis años, Wolfgang se presentó con su hermana Nannerl en Múnich ante el príncipe elector de Baviera. Unos meses después (setiembre de 1762), toda la familia emprendió un viaje más largo que la llevó a Passau, Linz, Viena y Bratislava. En Viena los hermanos Mozart tocaron para la emperatriz María Teresa y alcanzaron un éxito notable en diversos salones aristocráticos. Los viajes continuaron en los años siguientes pues Leopold supo sacar el máximo provecho de las presentaciones de sus hijos. Múnich, Augsburgo, Mannheim, Maguncia, Frankfurt, Coblenza, Aquisgrán fueron ciudades visitadas por los Mozart, cuyos pobladores tuvieron el privilegio de escuchar a los precoces y talentosos músicos que se dirigían a París. El éxito en Francia fue notable: pasaron dos semanas en Versalles, donde tocaron para Luis XV en varias oportunidades. En París, el niño Wolfgang publicó cuatro sonatas para clave. Se trataba del caso insólito de un compositor que a tan temprana edad (siete años, dice el texto de la publicación de las sonatas) viera impresas obras suyas (eran las obras K. 6,7, 8 y 9).Los éxitos continuaron en Londres con conciertos ante el rey Jorge III y la reina Sophie Charlotte, conocedores y amantes de la música, y con difíciles pruebas musicales a las que se sometió Wolfgang, quien las venció con solvencia inexplicable en un niño. Por aquellos tiempos, el joven músico inició la creación de sinfonías y obras vocales. Después de haber pasado quince meses en Londres, los Mozart fueron a los Países Bajos, donde también permanecieron varios meses. Volvieron a París y luego emprendieron el lento regreso a Salzburgo, ciudad a la que llegaron a fines de noviembre de 1766, tras haber estado en Dijon, Lyon, Ginebra, Lausana, Berna, Zúrich, Augsburgo y Múnich. El viaje había tomado más de tres años, durante los cuales el niño Wolfgang había ampliado sus horizontes vitales y musicales. Si bien su padre fue su único maestro, el contacto con artistas de otros lugares resultó muy provechoso para el niño, quien empezó a forjarse una voz propia en el terreno de la composición. En la estancia en Londres había conocido a Johann Christian Bach, de quien recibió una fuerte impresión e influencia. Los tres viajes que posteriormente realizó a Italia dejaron en él nuevas enseñanzas. Muy útiles le fueron los contactos con Sammartini y, en especial, el Padre Martini, con el cual trabajó el contrapunto. El interés del joven Mozart por la ópera se acrecentó por esa época y obras suyas de ese género se estrenaron con éxito en Milán en 1771 (Ascanio en Alba) y en 1772 (Lucio Silla).En 1773, de vuelta a Salzburgo, empezó Wolfgang Mozart a trabajar en la corte del nuevo Príncipe-arzobispo, Hieronymus von Colloredo, con el cual nunca mantuvo relaciones muy armoniosas. Nuevos viajes lo llevaron a Múnich, Viena, Augsburgo y Mannheim, ciudades en las que se sentía libre de su tiránico empleador de Salzburgo. En 1778 se dirigió a París cargado de esperanza en compañía de su madre. Sin embargo, esta murió sorpresivamente, lo que sumió a Wolfgang en una crisis seria ahondada por la indiferencia de quienes de niño lo habían tratado con tanta benevolencia. Vuelto a Salzburgo en 1789, obtuvo el puesto de organista de la corte de su antiguo amo. Pronto las tensiones se agudizaron tanto, que el joven músico decidió trasladarse a Viena (1781).En 1782, sin el consentimiento de su padre, quien había desempeñado por años un papel importante en el rumbo de la vida de Wolfgang, este se casó en Viena con Constanze Weber. Dos años después, encontró en el movimiento francmasónico la acogida de la que no había disfrutado durante los años de profundo aislamiento en el que se encontraba como artista, según ha hecho notar Alfred Einstein en su famoso libro sobre Mozart.[1]En los años siguientes, a pesar de la creación de grandes obras maestras, algunas de las cuales lograron impresionante acogida, como las óperas Las Bodas de Fígaro y Don Giovanni, en sus estrenos en 1786 y 1787 en la generosa ciudad de Praga, la vida de Mozart se volvió difícil. Una economía precaria y una salud cada vez más deteriorada lo hicieron padecer intensamente hasta el momento de su muerte, la que se produjo en Viena en la noche del 4 al 5 de diciembre de 1791, cuando este genio contaba con solo 35 años.Aunque su vida fue breve, la obra de Mozart es amplísima y abarca una gran variedad de géneros: óperas, música sacra, sinfonías, conciertos para instrumento solista y acompañamiento de orquesta, abundante música de cámara, obras corales, canciones, etc.El Adagio y fuga para cuerdas en do menor (K.546) data de junio de 1788. Previamente, a fines de 1783, Mozart había compuesto una versión de esa fuga para ser interpretada en dos pianos, la cual figura con el número 426 en el catálogo Köchel. El autor la transcribió para cuarteto de cuerdas y le añadió un adagio a modo de preludio que anticipa y destaca el carácter trágico de toda la obra.Desde niño, Mozart se había educado en el contrapunto y lo había usado con habilidad en diversas composiciones; sin embargo, fue su amistad con el Barón van Swieten la que le permitió conocer las grandes obras de J.S. Bach y G. F. Haendel. El referido noble poseía una rica biblioteca donde se conservaban manuscritos de esos importantes compositores, y a la cual Mozart tuvo acceso cuando contaba con 26 años de edad. El estudio de las obras de esos dos grandes compositores barrocos alemanes enriqueció notablemente al joven músico de Salzburgo.El Adagio, en ritmo de 3/4, se despliega a lo largo de 52 compases en los que las notas en staccato, el ritmo y las alternancias entre matices piano y forte crean una cierta tensión y generan un clima de expectativa. Riqueza cromática y osadas modulaciones otorgan a esta intensa pieza un carácter muy especial. Después de un calderón, y sin solución de continuidad, se presenta la extraordinaria fuga a cuatro voces, la que, salvo detalles mínimos repite a la compuesta para dos pianos en 1783. Esta pieza de gran complejidad abarca 119 compases en ritmo de 4/4 y tempo Allegro. Su estilo es severo y el tema a partir del cual está construida encierra elementos cromáticos abundantes. En esta fuga, según Adélaïde de Place, Mozart emplea “con un arte particularmente acabado los procedimientos de la disminución y de la inversión”.[2] Ella se refiere a los recursos que usa el compositor para presentar en ciertos pasajes el tema (sujeto) a partir del cual elabora la extraordinaria arquitectura de esta fuga. Cabe destacar que la interpretación de esta obra por un conjunto orquestal más grande que un cuarteto de cuerdas permite apreciar en ella una peculiar y bella riqueza sonora.La fuga se inicia con la presentación del tema en los instrumentos más graves (violonchelos y contrabajos), luego toman el tema, sucesivamente, grupos de instrumentos con registro menos grave (violas), instrumentos más agudos (violines segundos y finalmente primeros violines). Después de una compleja construcción, hacia el final la pieza se vuelve especialmente intensa y culmina con potentes acordes en dinámica fortissimo.Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)Ludwig van Beethoven nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Desde niño manifestó una notable disposición para la música. Debido a ello, el padre, tenor de la corte obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, por lo cual lo obligó a estudiar sin consideración. En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano y en 1781 lo llevó en una gira de conciertos por Holanda, la que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones de Pfeiffer, van der  Eeden, Rovantino, Koch y Zeese. Neefe lo hizo estudiar elClave bien temperado de J.S. Bach, y las sonatas de Karl Philipp Emmanuel Bach y de Muzio Clementi.En el invierno de 1786 estuvo en Viena, donde conoció a Mozart, quien le dio algunas clases y comentó: «Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo». La enfermedad de su madre lo hizo volver a Bonn, donde ella murió en 1787. Obligado a hacerse cargo de sus hermanos, se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese despilfarrada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables. Sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, y llegó a sentir un afecto especial por la gentil Eleonora, a quien dio clases de música a cambio de conocimientos de literatura. Ella se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y Beethoven mantuvo con ellos una estrecha amistad durante toda su vida. Asimismo, halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje, después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena recomendándolo para que se abriese camino.En 1792 Beethoven dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría. Llegó a Viena en noviembre con gran número de obras, la primera de ellas escrita a los diez años, y las publicó más tarde, después de haberlas revisado o refundido en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schneck, Salieri, Schuppanzigh, Albrechtsberger y Aloys Föster. Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero su presentación ante el gran público con sonado éxito se concretó el 2 de abril de 1800. La gloria parecía sonreírle; sin embargo, ya había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había soportado, se añadía ahora la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión. No obstante, su carrera como prolífico compositor comenzó a afianzarse y ya en esa época los rasgos de su carácter estaban bien definidos. Su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar las cuerdas de sus semejantes.Beethoven compuso cinco conciertos para piano y orquesta, los cuales corresponden a los números de opus 15, 19,37, 58 y 73. El cuarto de ellos, el opus 58, en sol mayor, fue escrito entre 1805 y 1806 e interpretado por primera vez públicamente el 22 de diciembre de 1808 en Viena en una función cuyo programa incluía la Quinta y la Sexta Sinfonías del mismo compositor.El Concierto N° 4 consta de tres movimientos. El primero de ellos, Allegro moderato en compás de 4/4 y tonalidad de sol mayor, se inicia originalmente con una intervención del instrumento solista en dinámica piano y con carácter dolce que se extiende por cinco compases. Después de esta breve intervención, pasa el tema a la orquesta, la que lo amplifica notablemente y luego lo lleva gradualmente a dinámicas forte y  fortissimo. La orquesta presenta después un hermoso segundo tema. Varias ideas secundarias van apareciendo. El piano se encargará de aprovecharlas transformándolas constantemente en su primera intervención larga, la cual está cargada de riqueza musical. Según M. Mila, “… el piano, que tras de los compases iniciales, puestos al principio, casi como un epígrafe, había callado ante la orquesta, comienza su desarrollo, en una de las más prodigiosas manifestaciones de fantasía musical, toda ella poéticamente conmovida, que se conocen. La entonación general sigue siendo la de una beatitud suave, como embriagada de sí misma, unas veces vibrando en un canto desplegado, ora rebosante de figuras de júbilo vivísimo, otras veces dirigiéndose con rápidos pasajes de carácter rapsódico y otras hallando encantadas sonoridades, que ya encierran en germen los elementos poéticos del virtuosismo pianístico de Liszt”.[3]El segundo movimiento, Andante con moto, está compuesto en la tonalidad de mi menor y en compás de 2/4. En esta pieza tan intensa, contrastan las intervenciones alternadas de la orquesta y del solista. Empieza la orquesta en dinámica forte interpretando acordes en staccato que encierran un carácter imperioso. En el quinto compás calla la orquesta; en el sexto, el piano solo en dinámica pianissimo, con entonación molto cantabile y toque ligado, canta una melodía tierna de aire suplicante. El contraste es total: a la fuerza de la orquesta se opone la dulzura del piano. Después de una decena de alternancias entre el poder orquestal y la súplica del piano, este se suelta en la entonación de una hermosa línea melódica no interrumpida por la orquesta. Tres trinos sucesivos sobre fasostenido, la y do interpretados con incremento de la intensidad inician una intensa cadenza que finalmente regresa a la dinámica pianissimo. La orquesta vuelve a sonar, pero ahora muy breve y tenuemente. En los últimos dos compases se escuchan en la orquesta tres acordes de la tonalidad de mi menor, al último de los cuales se superpone un arpegio del piano suplicante.Sin solución de continuidad, sigue el tercer movimiento, un Rondó, en tempo vivace, compás de 2/4 y tonalidad de sol mayor. Esta pieza vivaz introduce una atmósfera que contrasta con el dramatismo del movimiento precedente. Su arquitectura sigue el modelo de construcción A-B-A-B-A-B. Cabe destacar que el empleo de arpegios quebrados, de abundantes pasajes en semicorcheas, de trinos dobles y trinos triples otorgan un carácter muy brillante al movimiento final de este concierto, el cual concluye con una vibrante coda rica en matices dinámicos: en los últimos 19 compases se transita de pasajes de arpegios en tresillos interpretados en dinámicapianissimo hacia el fortissimo final, en el que se afirma con júbilo la tonalidad de sol mayor.Richard Wagner (1813 – 1883)Richard Wagner nació el 22 de mayo de 1813, en Leipzig. Su padre, Karl Friedrich Wilhelm Wagner, murió seis meses después del nacimiento del futuro gran músico. En 1814 su madre, Johanna Pätz, se trasladó a Dresde y se casó con el pintor retratista Ludwig Geyer, quien falleció en 1821.El inquieto joven Richard realizó estudios en la Kreuzschule de Dresde desde 1822. Por aquella época entró en contacto con las obras de los antiguos hombres de letras griegos. En 1824 inició estudios de piano, pero su campo de interés ya era la ópera: entonces se mostraba entusiasta admirador de la obra de Weber. Cuando su familia dejó la ciudad de Dresde (1826), él permaneció en esa ciudad, descuidó los estudios y se concentró en la creación de una tragedia (Leubald), obra que completó en 1828 en Leipzig, ciudad a la que había ido para reunirse con su familia. A partir de entonces, atraído por la música de Beethoven, intenta la composición musical. En los años siguientes realiza estudios de violín, teoría, armonía y contrapunto, y completa diversas obras cortas. En 1832 compone su Sinfonía en do mayor, dos oberturas y otros trabajos musicales, y empieza a escribir libretos para óperas pues pensaba que solo podría componer música para sus propios libretos.Luego vinieron estancias en Wurzburg (1833) y en Magdeburgo (1834), donde asumió el cargo de director de orquesta y conoció a Minna Planer, con quien inició una relación sentimental que lo llevó al matrimonio el 24 de noviembre de 1836. Las dificultades económicas obligaron a la pareja a tomar la decisión de abandonar Magdeburgo y a trasladarse a Königsberg y luego a Riga. En 1838, Wagner empezó la creación de Rienzi, una gran ópera, pensando en presentarla en una importante plaza como París. Después de pasar por Londres, el 20 de agosto de 1839, él y Minna llegaron a Francia. En París, Wagner conoció a un grupo importante de artistas entre los que se encontraban Hector Berlioz y Franz Liszt. Este último acogió al compositor alemán e influyó positivamente en la vida y la obra de Wagner.Un nuevo viaje, en 1842, llevó a Richard y Minna de regreso a Alemania. El 20 de octubre se estrenó en Dresde, con rotundo éxito, la ópera Rienzi: había nacido un gran músico para el público. Los años siguientes fueron muy productivos, pero la participación de Wagner, en 1849, en movimientos políticos revolucionarios al lado de M. Bakunin, lo llevó al destierro. Weimar, donde se encontraba su amigo Franz Liszt, París y Zúrich, fueron los lugares donde encontró refugio. Su prestigio como compositor por aquellos tiempos fue creciendo y los éxitos se sucedieron en diferentes teatros de Europa.Sin embargo, no faltaron en la vida de Wagner los momentos de dificultad económica y las situaciones conflictivas en el aspecto sentimental: la separación de Minna, su peculiar amistad con la esposa de Otto Wesendonk, y el romance con Cosima Liszt, joven hija de Franz y esposa del director de orquesta Hans von Bülow, discípulo de Liszt.El rey Luis II de Baviera, entusiasmado con la obra de Wagner, lo apoyó económicamente y secundó los proyectos del compositor, lo que generó al soberano dificultades políticas dentro de su reino.En 1882 estrenó su ópera Parsifal cuando su salud estaba muy deteriorada. El 13 de febrero de 1883 falleció en Venecia por una enfermedad del corazón que arrastraba desde tiempo atrás.Wagner fue autor de una notable cantidad de óperas importantes por su calidad y por la influencia que ejercieron en el curso posterior de ese género; pero también creó obras orquestales, música coral, canciones, piezas para piano y algunas otras para diferentes instrumentos. Asimismo, realizó arreglos, revisiones, o transcripciones de creaciones de Beethoven, Donizetti, Gluck, Halévy, Mozart, Palestrina y Rossini. Además, destacó como director de orquesta y como escritor, pues publicó decenas de ensayos y textos de variados géneros, algunos de ellos de carácter polémico.Los intereses artísticos de Wagner eran tan amplios, que incluso intervino en la concepción del Teatro de Bayreuth, lugar ideado especialmente para la representación de sus óperas que fue construido con diversos aportes, entre ellos los muy generosos del excéntrico rey Luis II de Baviera.La ópera Tristán e Isolda, una de las obras maestras del género, inspirada en una leyenda celta, se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, en el Teatro de la Corte. Esta obra, que había sido compuesta entre 1857 y 1859, ejerció gran influencia en los compositores de las generaciones siguientes ya que percibieron en ella el inicio de un lenguaje musical que abandonaba la armonía tradicional. El Preludio de esta ópera, pleno de un lenguaje basado en el empleo de armonías tensas, cromatismos insistentes, un tejido polifónico y variadas modulaciones, es muy complejo y original. Desde el punto de vista de la forma musical, está construido con gran libertad. Durante el desenvolvimiento de la pieza se pueden apreciar continuos contrastes de temas, tonalidades, matices, dinámicas y ritmos que sugieren o expresan los más variados sentimientos que puede vivir el ser humano en la experiencia del amor, desde el apasionamiento desbordado hasta la serenidad. Sebastian Gürtler  es autor de tres arreglos del Preludio de Tristán e Isolda, uno de ellos para orquesta de cuerdas.ARNOLD SCHÖNBERG (1874 - 1951)A. Schönberg nació en Viena el 13 de setiembre de 1874 en el seno de una familia de origen judío. Fue uno de los pioneros de la composición atonal y creador de la revolucionaria técnica del dodecafonismo, predecesora del serialismo. Desde niño interpretaba el violín. Curiosamente este importante creador, que ejerció gran influencia en la música del siglo XX, fue en la práctica un compositor autodidacta. La única enseñanza formal que recibió fue la de Alexander von Zemlinsky, quien le dio algunas clases de contrapunto. Alcanzó una técnica impecable gracias al estudio de los grandes maestros, desde Bach hasta Mahler, quien se convertiría en su protector y admirador. Su primera obra maestra fue el sexteto para cuerdas titulado Noche transfigurada (1899), en el que unió las tendencias programáticas de Brahms y Wagner. La cantata Gurrelieder (1900-11) y el poema sinfónicoPelleas y Melisande (1903) se enmarcaron en un estilo propio del romanticismo tardío. En su Primer cuarteto para cuerdas (1905) mostró una intensidad expresiva más controlada. Una crisis personal y la tendencia hacia un mayor cromatismo lo llevaron a abandonar la tonalidad en algunas partes de su Segundo cuarteto para cuerdas (1908) y en Das Buch der hängenden Gärten (1909). Durante este período expresivo nació la Segunda Escuela de Viena, un grupo de compositores encabezado por Schönberg, entre los cuales se encontraban Alban Berg y Anton Webern. A ellos se los conocía como la Trinidad Vienesa. Al ver que los músicos empleaban una armonía en la que la disonancia no encontraba lugar, Schönberg creó el dodecafonismo, sistema de doce notas, a las que ordenó en una escala cromática especial. Estas tienen el mismo valor y no están sometidas a un centro tonal.Si bien en 1926 obtuvo el puesto de profesor en la Academia de Artes de Prusia, Berlín, en 1933 se vio obligado a emigrar a los Estados Unidos por el nazismo. Se dedicó a la enseñanza, a la aplicación y perfección de su técnica, y continuó su vasta producción musical, que comprende desde óperas, música orquestal, vocal, de solista y de cámara, hasta música religiosa. Falleció en Los Ángeles en 1951.La primera obra maestra y una de las más apasionadas de Schönberg fue concebida en tan solo tres semanas.Noche transfigurada Op.4 (1899) es un sexteto de cuerdas que constituye un poema sinfónico inspirado en el poema Mujer y mundo de Richard Dehmel. El mismo autor trabajó en 1917 una versión para orquesta de cuerdas que revisó en 1943. La obra comprende cinco secciones encadenadas que aluden a la relación de un hombre enamorado y una mujer que le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. La música no pretende narrar los hechos, sino comentar la situación emotiva de los personajes.La primera parte (muy lento) presenta en la tonalidad de re menor un paseo nocturno bajo la luz de la luna. La segunda (más animado) presenta un tema de marcado sabor dramático que corresponde a la confesión de la espera del hijo de otro hombre. Surge, entonces, un largo pasaje en el cual la mayor intensidad recae en el diálogo entre las cuerdas agudas y las graves. La tercera sección retoma brevemente el tema de introducción: es la espera de la reacción del hombre. Esta parte culmina simbólicamente en la alejada tonalidad de mi bemol menor. Luego de su primera reacción, en la cuarta sección, el hombre afirma que el amor que siente por su amada es tan grande, que está dispuesto a hacer de aquel niño su hijo. La obra se afirma en un luminoso remayor y las cuerdas susurran con sordina el segundo tema principal de la obra. En esta parte, en la que triunfa el amor, vuelve el primer tema, pero “transfigurado” por su tratamiento en modo mayor. La quinta sección corresponde a una extensa coda que cierra este himno a la naturaleza y el amor.(Textos de Carlos Gatti Murriel, Profesor del Departamento de Humanidades de la Universidad del Pacífico y del Departamento de Humanidades de la Pontificia Universidad Católica del Perú).

Pablo, la música en Siana

29 de abril

Pascua juvenil

Martes 28 de abril, 20:00 horas. Iglesia Mayor de San Pedro Apóstol, Gijón: Concierto de Pascua. Sinfonietta Concertante, Gaspar Muñiz Álvarez (director). Obras de Haydn y Beethoven. Mis seguidores, que aumentan y agradezco sus visitas, conocen mi faceta de docente y el apoyo incondicional a la música que se hace en y desde Asturias, por lo que este martes no podía faltar a esta cita en la capital de la Costa Verde donde mi admirado párroco de Colunga se ponía al frente de la Sinfonietta Concertante ovetense que también se da a conocer fuera de su sede. Formación con músicos de orquesta que viven su pasión y afición, también forjando un destino que nunca saben dónde aguarda pero que cubre el espacio entre la finalización de los estudios y un trabajo en el horizonte, trabajando con compañerismo, disciplina de ensayo semanal, siempre con el estudio personal, con un ideario claro que enseñan en su web y se traduce en "la colaboración sistemática y habitual de profesionales de nivel nacional, de cantantes, profesores, directores y gestores, que procuran dotar a los miembros de esta orquesta de una formación complementaria a la recibida en los ciclos institucionales reglados. Nuestra apuesta radica en ofrecer algo distinto y complementario que no está reñido con las demás facetas educativas ni con las demás instituciones musicales del Principado, sino que -más bien- se preocupa de fomentar aquellas características que todo músico que desee formar parte de la vida orquestal pueda necesitar". Así lo entienden y trabajar dos partituras tan emparentadas aunque distintas era su carta de presentación en el templo gijonés que se llenó con público variopinto que aplaudió cada movimiento como si de obras individuales se tratase, algo que pese a la advertencia previa del párroco Don Javier Gómez Cuesta no tuvieron en cuenta. Tampoco debemos dar importancia a un detalle que no está escrito, era costumbre antiguamente y siempre tiene la razón quien decide premiar lo que le gusta. Haydn como padre de la sinfonía clásica y Beethoven como digno alumno y heredero, a pesar de los roces e insatisfacciones, forman un tándem similar al de orquesta y director, maestro y pupilos en continua formación, avanzando, creciendo juntos con el bien común de la música sinfónica. La Sinfonía nº 104 "London", Hb I/104 de "papá Haydn" fue la última compuesta por el creador de una forma que será la dominante desde entonces. Cuatro movimientos como receta a seguir, con el Adagio-Allegro inicial para ir centrando obra e intérpretes, asentando y arrancando aunque algo costreñidos, apagados, un Andante para degustar de una plantilla percfectamente adaptada a la obra, un Menuetto: Allegro que dibuja ritmos y aires en lucimiento compartido por todos los atriles, y el Finale: Spirituoso al que faltó un poco más de empuje. La batuta del maestro Muñiz no logró conectar perfectamente con los alumnos, aunque se ciñeron todos al papel, echando de menos la chispa e imaginación que esta partitura tiene. Como si la posterior evolución del alumno descubriese al profesor, al bisar este último movimiento donde el propio Don Gaspar hizo el paralelismo "pescadores de Gijón y Londón" así como ese aroma de gaita hermana con roncón que Haydn conoció en la capital británica, resultó más cercana y vivida que en la primera ejecución. Sabemos de la necesidad de mano izquierda en el amplio sentido de la palabra y algo más de batuta hiriente donde la pulsación o tempo no siempre deben mandar, pero todos se aplicaron en cumplir los objetivos, Don Gaspar Muñiz también alumno del recordado Don Alfredo de la Roza. El alumno aventajado empezaba su singladura orquestal nada menos que con la Sinfonía nº 1, op. 21, el Beethoven capaz de dar el paso adelante en la forma clásica apuntando maneras como ya reconociese el propio profesor (no le perdáis de vista dijo Haydn), y el director maestro soltó la batuta para una mejor comunicación con los alumnos, aprendiendo todos en el mismo camino andado. El Adagio molto - Allegro con brio pareció un coral cantado, no en vano la referencia escolana siempre estará presente, esforzándose todos por unos fraseos claros y con una agógica no muy forzada que pudiese mantener la legibilidad de un texto sin palabras, el Andante cantabile con moto mantuvo el tipo, disfrutando sobremanera de las maderas, el Menuetto: Allegro molto e vivace de nuevo contuvo velocidades en pos de la claridad melódica, aunque la gestualidad no parecía corresponderse con la escucha, y el Finale: Adagio - Allegro molto e vivace sacó a flote el potencial de una joven orquesta que en estos repertorios encontrará no ya el abecé sinfónico sino la tierra sembrada para absorver todo lo que se plante porque el abono es bueno. En este aprendizaje mutuo llegará la confianza que traerá dominio y placer por encima de las preocupaciones por sonar, algo que ya han alcanzado. Afianzarse, seguir ensayando por secciones, exigirse en los detalles, afinaciones y escucha global, contar con una mano amiga que no sólo guíe sino enseñe desde el conocimiento de la obra a ejecutar, y sobre todo transmitir una seguridad necesaria para despojarse del agarrotamiento que solo con tiempo y estudio se alcanza. Seguiremos de cerca a esta generación que deberá luchar para mantener la música como una necesidad y un bien común al que no queremos ni debemos renunciar. Ganas, capacidad e ilusión en la búsqueda de la inalcanzable perfección no les falta, siendo estos conciertos la mejor prueba de fuego y un escalón hacia un destino desconocido que hace grande el propio camino. Concierto como vía y expresión de Pascua juvenil. Desconozco el filósofo autor de esta frase, pero quiero dejarla como perfecto cierre a este comentario: "no es el discípulo más que el maestro ni al contrario; una vez instruido todo discípulo puede llegar a ser un nuevo maestro, solamente necesitará hacer su camino".




Ópera Perú

10 de abril

Sociedad Filarmónica de Lima inicia tercer Ciclo Sinfónico

EL JUEVES 16 DE ABRIL A LAS 8 P.M. EN EL GRAN TEATRO NACIONAL, LA PRESTIGIOSA BACHAKADEMIE STUTTGART INAUGURA EL III CICLO SINFÓNICO 2015 DE LA SOCIEDAD FILARMÓNICA DE LIMAEs el primero de los 25 conciertos que integran la gran TEMPORADA 2015  de la SFL  Entérese cuál es la temporada 2015 de la Sociedad Filarmónica de Lima(Difusión) La centenaria Sociedad Filarmónica de Lima inicia sus actividades con la tercera edición de su Ciclo Sinfónico (4 conciertos) que se desarrollará, una vez más,  en el Gran Teatro Nacional, a partir del jueves  16 de abril.El ciclo que se desarrolla de manera paralela a la tradicional Temporada de Abono del Auditorio Santa Úrsula (21 conciertos),  reúne en esta ocasión a cuatro prestigiosas agrupaciones entre ellas a la BachAkademie de Stuttgart; la Academy of Saint Martin in the Fields, que en esta ocasión viene con el notable violinista  Joshua Bell como director; la Sinfonietta Tallinn y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Viena. La Internationale Bachakademie Stuttgart, con sus agrupaciones Gächinger Kantorei y Bach-Collegium Stuttgart, se han convertido en un sinónimo de reconocimiento internacional por sus actuaciones de alta calidad así como por su comunicación de la música.La temporada 2013/2014 marcó el inicio de una nueva era para esta institución musical, rica en su tradición: Hans-Christoph Rademann se hizo cargo de la dirección de la Academia Bach de Stuttgart en el verano del 2013. Junto con Gernot Rehrl, Gerente General y responsable de la gestión e imagen de la Academia Bach, han ideado un nuevo concepto para el futuro.Administrados por la Academia Bach, las agrupaciones Bach-Collegium y Gächinger Kantorei realizan una intensa actividad que comprende una amplia gama de conciertos, actuaciones con artistas invitados y grabaciones de discos. Parte importante de la labor de estos conjuntos es su participación en el Musikfestuttgart, así como en una significativa serie de conciertos de oratorios que van desde Schütz a obras contemporáneas por encargo. Un enfoque particular desde su creación ha sido la interpretación de obras vocales de Johann Sebastian Bach.El Coro de la Academia Bach, Gächinger Kantorei, fue creado en 1954 por Helmuth Rilling y lleva el nombre de un pequeño pueblo en las montañas de Suabia, al sur de Alemania. Durante décadas ha sido considerado como uno de los coros más destacados en el mundo. Además de sus actuaciones regulares junto al Bach Collegium Stuttgart, su socio instrumental, el coro trabaja frecuentemente con orquestas como la Filarmónica de Viena, Filarmónica de Nueva York y la Filarmónica de Israel. Asimismo, mantiene una estrecha relación de colaboración con la Radio Symphony Orchestra Stuttgart del SWR. Directores invitados como Masaaki Suzuki, Krzysztof Penderecki y Sir Roger Norrington colaboran regularmente con el coro.Con la orquesta Bach Collegium Stuttgart han logrado gran prestigio, interpretando tanto música barroca en parámetros históricamente informados, así como el repertorio de oratorio de nuestro tiempo.Importantes giras han llevado a ambos conjuntos a países de Asia, América Latina y varios de los principales festivales de Salzburgo, Lucerna, Praga, Nueva York, París, Londres, Viena y Seúl. Cientos de grabaciones de discos abarcan las obras vocales completas de Bach, y una amplia variedad de oratorios que van desde el siglo XVIII a numerosos estrenos, incluyendo obras de Penderecki, Pärt y Rihm.Hans-Christoph Rademann, Director. Estudió dirección coral y orquestal en la Escuela Superior de Música de Dresde. Cuando todavía era un estudiante fundó el Coro de Cámara de Dresde, que continúa dirigiendo. Fue Director Musical de la Academia de Canto de Dresde hasta 1999. Entre 1999 y 2004 fue director titular del Norddeutscher Rundfunk Chorus. Ha sido invitado para dirigir otros coros y orquestas líderes como Collegium Vocale Gent, Freiburg Baroque Orchestra y Akademie für Alte Musik Berlin. Una de sus especialidades es la música antigua, y en particular, la investigación de obras olvidadas del patrimonio musical de Dresde y Sajonia. En el ámbito de la nueva música, su interés radica en la constante exploración de nuevas perspectivas para desarrollar de manera más profunda la composición para voces. Numerosas grabaciones de obras de compositores como Ernst Krenek y Wolfgang Rihm reflejan la estrecha colaboración de Rademann con la música contemporánea. Es Director Titular de la RIAS Kammerchor desde 2007, director artístico del Festival de Música de Erzgebirge desde 2010 y Director de la Academia Bach de Stuttgart desde junio del 2013. También es profesor de dirección coral en la Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber", en Dresde. Ha recibido numerosos premios por su trabajo, incluyendo la Medalla Constitucional Saxon (2008), la Medalla Johann Walter del Consejo de la Música de Sajonia y el Premio de las Artes de la ciudad de Dresde (2014). Sus grabaciones han ganado el German Record Critics’ Award -en varias ocasiones, siendo la última en 2014-, así como el Classics Today Prize 10/10 y el Best Baroque Vocal Award (2014) por su interpretación del Magnificat de Carl Philipp Emanuel Bach. SOLISTAS Sebastian Kohlhepp, Tenor.- Nació en Limburg an der Lahn y  estudió con Hedwig Fassbender en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Frankfurt / Main.  Hizo su debut en la ópera Salomé, dirigida por Asher Fisch en la Ópera de Monte Carlo, logrando posteriormente un contrato de dos años en el Badisches Staatstheater Karlsruhe. Para la temporada 2013/2014, Kohlhepp se traslada a la Ópera Estatal de Viena, donde ha trabajado con famosos directores como Franz Welser-Most, Adam Fischer, Peter Schneider, Jeffrey Tate, Dan Ettinger y Patrick Lange. El año pasado hizo su debut en la Ópera Popular de Viena, donde interpretó el papel principal en la ópera de cámara Albert Herring, de Benjamin Britten, dirigida por Brigitte Fassbaender. Su repertorio abarca desde óperas y arias de las Pasiones de Bach a grandes oratorios y misas de los períodos clásico y romántico. En el 2013 realizó una gira por Europa con la ópera La pasión según San Mateo de J.S. Bach, presentándose en el Wiener Konzerthaus, Tonhalle Zürich  y el Concertgebouw de Brujas, además de otros escenarios en España y Hungría.Markus Eiche, Barítono.- Estudió en las Academias de Música de Stuttgart y Karlsruhe. Ha ganado varias becas y ha obtenido el primer premio del Concurso Internacional de Canto Francisco Viñas, de Barcelona.  Entre el 2001 y 2007 fue miembro del Teatro Nacional de Mannheim y, del 2007 hasta 2011 de la Ópera Estatal de Viena. Desde 2012 es profesor en la Universidad de las Artes de Zúrich. Desde el 2011, Markuse Eiche tiene contratos residenciales con la Ópera Estatal de Viena y la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich.  Entre sus próximos compromisos destaca su participación en la nueva producción de Manon Lescaut de Puccini, con la Ópera Estatal de Baviera, junto a Anna Netrebko y Jonas Kaufmann. Ha sido invitado al Teatro alla Scala de Milán, Nederlandse Opera de Amsterdam, Ópera Cómica de Berlín, Deutsche Staatsoper de Berlín y la Ópera Estatal de Stuttgart. Además se ha presentado en los festivales de Salzburgo y Bayreuth, así como en el Festival de Ópera de Múnich. Ha trabajado con directores de la talla de Kent Nagano, Kirill Petrenko, Zoltan Pesko, Helmuth Rilling, Adam Fischer, Alan Gilbert, Riccardo Muti, Chrisoph Eschenbach y Christian Thielemann, por mencionar solo algunos.Johanna Winkel, Soprano.- Sus estudios de canto comenzaron con Mechthild Böhme y Caroline Thomas, seguida de clases magistrales con Christina Scheppelmann, Ralf Popken, la Akademie für Alte Musik y Christa Ludwig. En el 2008 hizo su debut internacional en Nantes, cantando la Misa Nº 5 de Franz Schubert, junto con Peter Neumann y la orquesta de cámara alemana Concerto Köln. Posteriormente, ha actuado con conjuntos de renombre como Hamburger Symphonikern, SWR Vocalensembleand Sinfonieorchester, Chorwerk Ruhr y Chor des Norddeutschen Rundfunks; así como con directores de la talla de Jörg Straube, Sylvain Cambreling, Philipp Ahmann y Frieder Bernius, entre otros. Es invitada habitual en festivales como Bachfest Leipzig, Musikfest Berlin, Luzern Musikfestival y La Folle Journée de Nantes. En el 2009 recibió el primer premio en el concurso internacional Cantilena en Bayreuth.Ann Beth Solvang, Mezzosoprano.- Nacida en Noruega, realizó estudios en Rogaland Conservatory of Music en Stavanger y The State Academy of Operatic Art, en Oslo. Ha recibido premios como Shell Prize y Ruud Wallenberg Music Award. Entre el 2006 y 2008 fue miembro del International Opera Studio en la Staatsoper de Hamburgo, uniéndose posteriormente al conjunto de la Staatsoper de Hamburgo, hasta el 2011. Cuenta con un amplio repertorio que incluye una serie de misas, oratorios y ciclos de canciones de Monteverdi, Pergolesi, Vivaldi, Haendel, Mozart, Haydn, Mendelssohn y Mahler. Ha trabajado con directores como Alessandro De Marchi, Lawrence Foster, Riccardo Frizza, Philippe Jordan, Roberto Paternostro, Vasily Petrenko y Simone Young, entre otros. Entre sus próximos compromisos está su rol como Anita en el estreno mundial de Todo sobre mi familia, de Sondre Lerche y Atle Halstensen en Bergen National Opera;  su participación en Rosamunda de Schubert, con la Bergen Philharmonic Orchestra; así como en el Oratorio de Navidad de J.S. Bach, en el Theater an der Wien. ACERCA DE LA OBRA JOHANN SEBASTIAN BACH (1685 – 1750),  nació en Eisenach, Turingia, en 1685, el mismo año en que nacieron G. F. Händel y Domenico Scarlatti, y murió en 1750, en Leipzig. Perteneció a una familia de músicos integrada por varias decenas de intérpretes y compositores de destacado nivel. La figura más importante de esa familia de siete generaciones de artistas fue, sin duda, Johann Sebastian, quien cultivó intensamente y con extraordinarios resultados la composición de obras de prácticamente todos los géneros musicales propios de su época, salvo la ópera.En 1723 fue elegido para ocupar un cargo en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde transcurrió una buena parte de su vida y compuso muchas de sus obras religiosas. Bach escribió muchas cantatas que se interpretaban en los servicios religiosos luteranos de los domingos y los días festivos.Durante su estancia en Leipzig, además de desarrollar más de la mitad de sus obras musicales, terminó de componer la Misa en si menor (BWV 232), quizá la más importante y grandiosa creación de Bach, que ha merecido comentarios como el del músico suizo Hans Georg Naegeli, quien en 1818 dijo que era “la mejor obra de todos los tiempos y de todos los pueblos”.La creación de esta obra se concretó por partes durante un lapso de unos 25 años. Bach la fue gestando sin tener previamente un esquema definido. La primera pieza compuesta de toda la serie que constituye la Misa fue el Sanctus, originalmente elaborada para una celebración navideña de 1724. En 1733 compuso el Kyrie y el Gloria y los presentó como Misa a la corte de Dresde del rey Augustus III de Polonia, quien también era elector de Sajonia. Esta Misa breve, concebida conforme a los cánones luteranos, hizo que Bach, además de mostrar su genio creativo, se convirtiera a la larga en compositor honorario de esa corte. Las demás partes de la Misa son posteriores: datan del período comprendido entre 1747 y 1749, es decir, fueron concebidas durante los últimos años de su vida. Bach concluyó la Misa recurriendo en algunos casos a piezas anteriormente escritas por él, en las que introdujo algunos cambios. Así logró finalmente una obra maestra sorprendente por su unidad. Si bien la Misa fue terminada por el autor, Bach nunca llegó a oírla  completa. Treinta años después de su muerte, su hijo Carl Philipp Emanuel Bach interpretó la parte del Credo, y se dice que la misa completa fue estrenada solo en el siglo XIX, varias décadas después de su composición.Si bien la obra se conoce como Misa en si menor, cabe destacar que muchas de las partes no están en esa tonalidad, aunque la obra se inicia en ella y la retoma en algunas partes. La composición está dividida en cuatro grandes secciones indicadas por el propio autor. La primera, integrada por el Kyrie y el Gloria, conforme a lo establecido por el autor en la partitura original, lleva el nombre de Missa a 5 Voci, 2 Soprani, Alto, Tenore, Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversi, 2 Oboi, 2 Violini, Viola e Continuo di J.S Bach.[1]El Kyrie, siguiendo el texto litúrgico, se desarrolla en tres partes: Kyrie eleison, entonado por el coro; Christe eleison, interpretado por un dúo de voces femeninas y Kyrie eleison, expuesto en una nueva participación del coro más corta que la primera. El primer Kyrie, con su hondo carácter de invocación, pareciera ser la larga expresión de una humanidad que sufre y busca la compasión divina con el ¡Señor, ten piedad! Se inicia con un breve adagio coral, al que sigue un hermoso pasaje orquestal en el que destacan la flauta y el oboe. Luego se desarrollan una fuga a cinco voces y un nuevo interludio orquestal. Después vuelve el coro a la fuga, esta vez desde las voces más graves hacia las más agudas. El Christe eleison, compuesto en re mayor, tonalidad relativa de si menor, crea un clima esperanzado y consolador. Es un dúo de voces femeninas sobrepuesto a elaboradas melodías de los violines en el que se pueden advertir ciertas reminiscencias del estilo italiano. El último Kyrie, mucho más breve que el primero, presenta una construcción austera y rigurosa de fuga a cuatro voces del coro, en la que la orquesta reduce su lucimiento y pierde independencia. Esta parte recuerda a los desarrollos musicales propios de grandes maestros antiguos como Giovanni Pierluigi da Palestrina u Orlando de Lasso.Continúa la primera gran sección con el Gloria. Se inicia esta parte con el Gloria in excelsis, compuesto en la brillante tonalidad de re mayor. Desde el inicio aflora un júbilo especial que es resaltado por el uso de las trompetas. Frente al carácter triunfal del Gloria en las alturas, la parte correspondiente al Et in terra pax se desarrolla en un tempo un poco más lento e íntimo que sugiere  el carácter pausado de un caminar sereno por el mundo. El Laudamus te es una intensa aria en la mayor para voz femenina secundada por un violín solista. La voz humana y el instrumento de cuerda dialogan con espíritu alegre y florido con cierto aire italianizante. Gratias agimus tibi es el siguiente fragmento interpretado por el coro. Se trata de la música que perteneció primero a la cantata de Bach, Wir danken dir (Te damos gracias). El Domine deus es presentado por una soprano y un tenor, además de una flauta, que en esta pieza pareciera una voz más. La flauta inicia esta pieza en la que algunos han querido ver un carácter simbólico trinitario: han asociado a las tres voces con Dios Padre (tenor), Dios Hijo (soprano) y Dios Espíritu Santo (el soplo de la flauta). El Qui tollis peccata mundi, presentado por el coro, deriva de la primera mitad de la cantata de Bach Schauet doch und sehet, a la que el autor introdujo cambios en el tempo. Sigue el Qui sedes ad dexteram patris, un aria hermosa para contralto y oboe d’amore, en tempo andante. El penúltimo número de esta parte es el Quoniam tu solus sanctus, una elaborada aria para bajo en la que destaca el corno di caccia como instrumento principal del acompañamiento orquestal, y en el que también se dejan notar dos fagotes. Como último movimiento, cierra con brillo el Gloria el Cum Sancto Spiritu. Se trata de un vivace marcado, en forma de fuga a cargo del coro. En este movimiento destaca nuevamente la presencia de las trompetas que crean una atmósfera solemne y triunfal.La segunda gran sección de la obra es el Symbolum Nicenum a 5 voci, 2 Soprani, 1 Alto, 1 Tenore, 1 Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversieri (sic), 2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S Bach. Se trata del Credo, o Símbolo de Nicea, constituido por una serie de nueve partes en las que se alternan simétricamente intervenciones del coro con un dúo y un aria. Las piezas corales son las dos primeras (Credo in unum Deum, Patrem Omnipotentem), las tres centrales: 4, 5 y 6 (Et incarnatus est, Crucifixus, y Et resurrexit), y las dos finales (Confiteor, Et expecto resurrectionem mortuorum). El dúo de soprano y alto es la tercera pieza (Et in unum Dominum Jesum Christum). El aria, cantada por el bajo, es la pieza sétima (Et Spiritum Sanctum Dominum). Teniendo en cuenta lo señalado, es posible reconocer la existencia de un propósito constructivo formal en el compositor: a dos intervenciones del coro sigue el dúo, después el coro interpreta las tres piezas centrales, en las cuales se presentan aspectos fundamentales del cristianismo: la Encarnación, la Crucifixión, y la Resurrección de Cristo. En estas piezas Bach ha creado música de gran valor y extraordinaria capacidad expresiva asociada a cada uno de esos importantes acontecimientos religiosos y a la letra que los refiere. Esta es la parte central del Credo, esa compleja arquitectura musical elaborada por el músico a partir de simetrías e inversiones que tienen como pieza central y clave al Crucifixus (la quinta pieza de un total de nueve). Y para completar el Credo, como en un reflejo al espejo en el orden de aparición de las piezas, aparece el aria del bajo y luego dos partes corales. Algunos estudiosos han atribuido un carácter simbólico o especialmente significativo a tal esquema arquitectónico. Es posible decir que esa simetría inversa corresponde a una organización jiásmica de las partes. El término jiasmo deriva del nombre y la pronunciación griega de la letra  χ (ji), cuyo diseño gráfico se concreta con dos trazos simétricos, pero invertidos. Cabe señalar que resulta sugerente la asociación que secularmente se estableció entre Cristo y la primera letra de su nombre escrito en griego, el cual empieza con la letra χ (ji): χριστός.Distintas partes del Credo provienen de cantatas del mismo Bach. Por ejemplo, el Patrem Omnipotentem, Crucifixus, y Confiteor, derivan de  las cantatas 171 (Gott, wie dein Name, so ist auch dein Ruhm), 12 (Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen) y 120 (Jauchzet, ihr erfreute Stimmen)A continuación, como tercera gran sección, aparece el Sanctus, escrito para seis voces, dos sopranos, dos contraltos, tenor, bajo y orquesta (trompetas, tambores, oboes, violines, viola y continuo) en la tonalidad de re mayor. Como se ha dicho, esta pieza es la más antigua de la misa, pues data de 1724. Cabe destacar que el coro ha pasado de cinco a seis voces en esta pieza compuesta en la tonalidad jubilosa de re mayor. Si bien el compás es cuaternario, el empleo de tresillos crea una atmósfera ternaria, la cual, unida a otros recursos, como el empleo de tres oboes (en vez de dos, como sucede en otras partes de la obra), además de las tres trompas, y la división, en ciertas partes, de las seis voces en dos grupos de tres, han llevado a algunos estudiosos a atribuir un carácter simbólico trinitario a esta parte de la obra[2]. La cuarta gran sección lleva la siguiente inscripción: Osanna, Benedictus, Agnus Dei et Dona nobis pacem ab 8 Vocibus, 2 Soprani, 2 Alti, 2 Tenori, 2 Bassi, 3 Trombe, 2 Tamburi, 2 Traversieri ,2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S. Bach. En el Sanctus escrito años atrás para la liturgia luterana, Bach, como era regular en ese culto, solo había incluido las partes relativas al Sanctus y el Pleni sunt coeli, y no el Hosanna y el Benedictus propios de la liturgia católica romana. Por ello en la versión final de la Misa en si menor, añadió en la cuarta gran sección aquellos textos que había omitido en la tercera. Con esta incorporación se completaba una misa católica, aunque no apareciese estrictamente dividida en las cinco grandes secciones habituales (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, Agnus Dei).Inicia la serie, el Osanna, interpretado por coro doble. A esta pieza sigue el Benedictus, un aria para tenor acompañada de flauta solista. Luego vuelve el coro con el Osanna in excelsis.Continúa la obra con el Agnus Dei, que es un aria para contralto compuesta en la tonalidad de sol menor, con violines de acompañamiento. Esta gran obra finaliza con el Dona nobis pacem, pieza presentada por un coro a cuatro voces y escrita en la brillante tonalidad de re mayor. Tanto el aria como el coro están tomados de otras obras, el Oratorio de la Ascensión y la cantata nº 24 (Wir danken dir, Gott).Con esta composición, Bach logró construir un extraordinario monumento musical en el que se integran armónicamente estilos, tradiciones musicales y piezas concebidas en distintos momentos de su vida. Además, la Misa en si menor, con toda su grandiosa y honda belleza, es una muestra del espíritu ecuménico que es capaz de integrar a diversas comunidades humanas a partir de la concentración en aquello que es fundamental para el hombre y su alto destino, y sabe dejar de lado las diferencias menores o puramente formales.Nota: La venta de abonos se realiza en TELETICKET y como siempre considera precios especiales para estudiantes, docentes, jubilados y público en general. Asimismo precios corporativos. [1] Salazar, Adolfo. Juan Sebastián Bach, un ensayo. México: El Colegio de México, 1951. p. 321[2] Ver al respecto Tarín, Carlos. La Misa en Si menor de Bach: el legado (http://orfeoed.com/grandeso/misab.asp)



Ópera Perú

9 de abril

Conservatorio estrena clavecín Taskin

(Difusión) El jueves 16 de abril será un día muy especial para el Conservatorio, ya que se inaugurará con un gran Concierto el Clavecín Taskin recientemente adquirido por nuestra institución. Este concierto, titulado El Clavecín, instrumento solista y en Música de Cámara. “Tesoros musicales de los siglos XVII y XVIII”, tendrá como escenario el Auditorio AFP Integra del Museo de Arte de Lima (MALI), ubicado en Paseo Colón 125, Parque de la Exposición – Lima, y se iniciará a las 7:00 p.m. Esta velada musical constituye una gran ocasión para que, a través de los sonidos del clavecín, el espectador pueda transportarse a los siglos XVII y XVIII. Se interpretará obras de Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti, Jean Philippe Rameau, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, entre otros. La ejecución musical estará a cargo de los alumnos de la Clase Maestra de la profesora Ana Savaraín, quien gestionó la fabricación de este impresionante instrumento musical construido a mano exclusivamente por el atelier Henk Klop en Europa, durante un periodo de cuatro meses, a semejanza de los clavecines del siglo XVIII.Como se puede recordar, el Clavecín Taskin –que será inaugurado en este concierto– llegó al Conservatorio durante los primeros días de enero y es un instrumento musical de teclas y cuerdas rasgueadas, muy conocido y utilizado durante el Barroco, época de oro tanto de la composición musical como de la construcción de estos instrumentos, cuyos constructores Hemsch y Taskin son los mayores exponentes en el mundo.Este concierto es uno de los imperdibles del año, no solo porque es una fantástica oportunidad para apreciar el virtuosismo de este hermoso instrumento musical que es poco difundido en nuestro medio, sino porque se podrá compartir con la familia del Conservatorio esta importante adquisición, que nos pone a la vanguardia de las mejores instituciones de formación musical en el mundo.

Ópera Perú

9 de abril

OSN inicia temporada de otoño

© MinCul(Ópera Perú) La Orquesta Sinfónica Nacional  presentará diversos programas a partir del viernes 10 de abril, iniciando su temporada de otoño 2015 en el Gran Teatro Nacional. Todos los conciertos se realizarán, como siempre, a las 8:00 pm, y además el domingo 28 de junio a las 11:00 am.© CeacEl director peruano David del Pino Klinge vuelve para hacer su habitual residencia anual en Lima en la que dirigirá dos programas. En el primero el solista invitado será el trompetista italiano Gabriele Cassone. En este concierto escucharemos la obertura de la ópera "La gazza ladra" de Gioacchino Rossini, el Concierto para trompeta en mi bemol de Joseph Haydn, y el estreno peruano de “Nobody knows the trouble I see, Concierto para trompeta” de Bernd Zimmermann. El programa concluye con Los pinos de Roma de Ottorino Respighi. Este será un programa que incluye piezas brillantes.Gabriele Cassone © MinCul © Yolanda AuyanetEl segundo concierto dirigido por Del Pino será el 17 de abril y presentará a la soprano española Yolanda Auyanet. En este programa escucharemos un estreno mundial, un estreno nacional y un clásico del repertorio. Primero, escucharemos el estreno en Perú de Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, en una orquestación del compositor italiano Luciano Berio. Luego, el estreno mundial de seis canciones de Treinta y un canciones del alma vernácula del compositor peruano Theodoro Valcárcel, a propósito del homenaje a su obra que se le hace durante todo el año. El programa se cierra con la famosa Sinfonía n.º 7 en la mayor, op. 92 de Ludwig Van Beethoven, "apoteosis de la danza" como la describió Wagner un día.Carlos Vieu © MinCulLa temporada continúa el 8 de mayo, con dos invitados argentinos. Primero, el reconocido director Carlos Vieu, frecuente en las temporadas del Teatro Colón y la Filarmónica de Buenos Aires, acompañará al  bandeononista Daniel Binelli, consagrado miembro de la mítica banda de Astor Piazzolla. Ambos artistas interpretarán música argentina de Piazzolla (Aconcagua, Milonga del Ángel, Chiquilín de Bachín, Decarísimo, Adiós Norino y Fuga y Misterio) y el programa incluirá el estreno nacional de la Elegía, fantasía para piano y orquesta de Ariel Hagman.Daniel Binelli © MinCulPablo Sáinz Villegas © MinCulEl 29 de mayo, el director venezolano José Luis Gómez y el guitarrista español Pablo Sáinz Villegas, ofrecerán un programa que incluye el estreno de Trovadores, variaciones para guitarra y orquesta de John Corigliano, así como otras obras por confirmar.© John NeschlingLa temporada termina con un programa especial en dos funciones. El viernes 26 de junio a las 8:00 pm. y el domingo 28 a las 11:00 am. Veremos al famoso director brasileño John Neschling, quien es sobrino nieto de Arnold Schönberg y del maestro Arthur Bodanzky, y además estudió con Hans Swaeowsky en Viena y con Leonard Bernstein en Tanglewood. Neschling dirigirá al Coro Nacional, OSN y solistas en la Misa en Do Mayor de Ludwig Van Beethoven. En esta participarán como solistas Ximena Agurto, Rosángela Merino, Álvaro López y Fernando Vizcarra. El programa se completa con la Sinfonía n.º 4 en re menor, op. 120 de Robert Schumann.Las entradas siempre están a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro. Niños menores de 12 años, jóvenes del Servicio Militar, universitarios, jubilados y afiliados a CONADIS reciben el 50% de descuento.

Joseph Haydn
(1732 – 1809)

Joseph Haydn (31 de marzo de 1732 - 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío para piano y en la evolución de la forma sonata. Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original». En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa. Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven. El listado completo de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.



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Mendelsohn
Mozart
Ravel
Schubert
Verdi
Vivaldi
Wagner
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Explorar 10 siglos de la música clásica...