Música Clásica online - Noticias, eventos, bios, musica & videos en la web.

Música Clásica y ópera de Classissima

Joseph Haydn

sábado 28 de mayo de 2016


El Blog de Atticus

Ayer

TEMPORADA OPERISTICA 2016/2017 EN EL PALAU DE LES ARTS

El Blog de AtticusEsta mañana, el Intendente Davide Livermore ha avanzado en rueda de prensa el contenido principal de la próxima temporada operística 2016-2017 en el Palau de les Arts. Cuando asumió la dirección del teatro uno de sus propósitos era que la temporada valenciana pudiese anunciarse con suficiente antelación y se marcó como objetivo intentar hacerlo a finales de marzo. El año pasado hubo que esperar al 3 de junio y este año ha sido el 27 de mayo… hemos adelantado una semana. Respecto a temporadas pasadas no está mal, pero sigue siendo demasiado tarde. Seguimos anunciando la programación cuando todos los teatros principales ya hace meses que han facilitado con todo detalle sus propuestas. Habrá que intentar seguir mejorando en este apartado. En cuanto al contenido anunciado, títulos muy conocidos se unen a otras obras interesantes, aunque menos habituales; se vuelve a proponer una pretemporada a precios populares; y las figuras de Plácido Domingo y Gregory Kunde vuelven a tener presencia en el teatro, anunciándose otros nombres muy atractivos, aunque conociendo cómo se hacen las cosas en la casa habrá que esperar al mismo día de la representación para cantar victoria. Se propone la figura de la soprano valenciana Lucrecia Bori como musa de la temporada, con imagen creada por Pepe Moreno, un profesional con exitosa carrera en el mundo del cómic. Al igual que ya sucediera el año pasado, el inicio de la actividad operística tendrá lugar en octubre, en concreto el día 1, con una pretemporada que inaugurará la ópera L’elisir d’amore, de Donizetti, en la coproducción del Teatro Real y el Palau de les Arts ambientada en una playa y que ya pudo verse en 2011, con dirección escénica de Damiano Michieletto y la presencia esta vez en el foso, como directora musical, de una mujer, la canadiense Keri-Lynn Wilson, esposa del director general del Metropolitan de Nueva York Peter Gelb. En el reparto se avanzan los nombres del tenor William Davenport, las sopranos Ilona Mataradzey Karen Gardeazábal, el bajo Paolo Bordogna, y el barítono Mattia Olivieri. También en pretemporada se ofrecerá una ópera española, El gato montés, del compositor valenciano Manuel Penella, para conmemorar los 100 años de su estreno en el Teatro Principal de Valencia, en una producción del Teatro de la Zarzuela, con dirección escénica de José Carlos Plaza y musical de Óliver Díaz, sin que se adelanten nombres de intérpretes. La pretemporada se completará con un concierto el 6 de octubre, dirigido por Fabio Biondi, dedicado a Vivaldi, que incluirá Gloria e Imeneo y el Gloria, con la participación de Sonia Prina y Roberta Invernizzi; el 26 de noviembre un recital de alumnos del Centre Plácido Domingo con Ramón Tebar dirigiendo; y el 10 de noviembre el concierto espectáculo Cantúria Cantada, de Carles Santos, con el Cor de la Generalitat y Dolors Ricart en la dirección. Esta es una interesantísima propuesta que me apetece un montón. La temporada oficial tendrá que esperar hasta el 10 de diciembre para inaugurarse con una de las verdaderas estrellas de la programación, la ópera de Verdi I Vespri siciliani, que estará dirigida por Roberto Abbado, con Gregory Kunde (Arrigo), Anna Pirozzi (Helena), Juan Jesús Rodríguez(Monforte) y Alexánder Vinogradov (Procida); en la coproducción del Teatro Regio de Torino y ABAO-OLBE que realizó el actual Intendente de Les Arts en 2011. El 8 de enero de 2017 se estrenará Philemon und Baucis, de Haydn, una ópera para marionetas que correrá a cargo de la compañía Carlo Colla e Figli, bajo la dirección de Fabio Biondi y con las voces de alumnos del Centre Plácido Domingo. El 9 de febrero tendrá lugar el estreno del que se pretende que sea el plato fuerte de la temporada, la producción de la Ópera de Roma de La Traviata, de Giuseppe Verdi, que firma Sofia Coppola, con vestuario de Valentino y que se ha comentado estos días por los medios que ha rondado un coste de unos dos millones de euros. Ya nos explicará Livermore… Igual se lo han dejado gratis a cambio de una producción de Les Arts y un compromiso a trabajar en galeras para la Ópera de Roma de por vida… Veremos. La dirección musical se encomienda a Ramón Tebar y, de momento, se anuncia a Marina Rebeka como Violetta, Arturo Chacón Cruz como Alfredoy Plácido Domingo como Germont, dispuesto de nuevo a destrozar el papel a cambio de atraer público. Es una opción legítima, aunque no mi preferida. La función del día 22 tendrá un reparto de jóvenes cantantes a precios populares que se incluirá en el abono de pretemporada. Más interesante me parece el anuncio de una nueva producción de Les Arts de Lucrezia Borgia, de Donizetti, con dirección de escena de Emilio Sagi y dirección musical de Fabio Biondi, con la gran Mariella Devia en el rol protagonista, acompañada del tenor norteamericano William Davenport y la mezzosoprano valenciana Silvia Tro. Una gran noticia también es que, al fin, llegue a Les Arts Werther, de Massenet, en una nueva coproducción del Palau de les Arts y la Opéra de Monte-Carlo, con dirección de escena de Jean Louis Grinda y con el estupendo director húngaro Henrik Nánási a la batuta. En el reparto se anuncia al tenor francés Jean François Borras y a Anna Caterina Antonacci en los papeles protagonistas. Nombres atractivos, sin duda, pero no entiendo por qué se recurre a Antonacci, cuando la italiana va a cantar también el personaje de Charlotteesa misma temporada en Barcelona. Parece que a veces se hagan las cosas para disminuir el interés de que aficionados de Barcelona puedan venir aquí, o viceversa. Otra gratísima sorpresa es La vuelta de tuerca, de Benjamin Britten, tras el inicio de la incursión en la producción del compositor inglés esta año con El sueño de una noche de verano que se estrena el próximo día 10. Será una nueva producción de Les Arts con dirección de escena de Juanpalomo, digo Davide Livermore. La dirección musical será de Christopher Franklin y los cantantes serán alumnos del Centre Plácido Domingo. La alegría de la sorpresa inicial se me acaba con el anuncio de director y cantantes. Franklin anoche, en Juana de Arco en la hoguera, mostró una enorme rudeza y escasa sensibilidad que son absolutamente incompatibles con la obra de Britten. Y tampoco me parece apropiado que para una ópera tan complicada y exigente en el apartado vocal se acuda a los alumnos del Centre. No cuestiono la calidad de los futuros alumnos, pero no es lo más idóneo para acercar al público a Britten. El 15 de junio de 2017 se anuncia una interesante rareza como es la ópera Piramo e Tisbe, de Johann Adolf Hasse, en un concierto espectáculo con la dirección de Fabio Biondi y Vivica Genaux y Valentina Farcas en el reparto. La temporada operística se cerrará con el estreno el 23 de junio de otro título muy atrayente, como es Tancredi, de Rossini, en una coproducción de la Opéra de Lausanne y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, con Roberto Abbado a la batuta y la presencia en el reparto de nombres tan llamativos como Daniela Barcellona, Jessica Pratt  y el chino Yijie Shi. En el apartado de conciertos destaca el oratorio Israel en Egipto, de Haendel, que podrá verse el 22 de diciembre en el nefasto Auditori, con el Cor de la Generalitat y dirección de Fabio Biondi. Tras el estreno de Café Kafka este año, se anuncia el 6 de abril de 2017 una nueva obra de Francisco Coll, Mural, una ópera sinfónica encargada por Les Arts, que se ofrecerá en un programa doble con La canción de la Tierra de Gustav Mahler, con Gregory Kundecomo solista masculino, y ambas obras dirigidas por George Pehlivanian. Y el 11 de mayo está previsto que Francesc Perales dirija al Cor de la Generalitat en la Misa del Papa Marcello, de Palestrina. No ha habido manera de evitar que otra vez intenten que nos chupemos un ballet. Esta vez será en abril con un homenaje a Antonio el bailarín. Lamentablemente esos días seguro que tendré un pollo en el horno que se me pueda quemar y no podré acudir. También se anuncian conciertos de cámara en diferentes espacios del recinto de Calatrava hasta ahora inéditos, y la salida de la actividad musical y operística a los barrios de la ciudad de Valencia y a otras localidades de la Comunidad. Tiempo habrá de ir comentando cosas, pero, en general, me parece una temporada de gran interés, variada y con nombres muy atractivos. No acabo de entender algunas cosas que ya he puesto de manifiesto o el que Abbado esté tan poco presente en los carteles operísticos (tan sólo se le incluye en la inauguración y final de temporada con I vespri siciliani y Tancredi), pero como digo ya habrá ocasión de ir analizando el detalle. Todos los datos ofrecidos hasta el momento pueden consultarse en la web de Les Arts (http://lesarts.com.mialias.net/temporada-2016-2017/). Os aconsejo guardar la información para luego ir comparando durante la temporada el ajuste a la realidad y echarnos unas risas. El próximo martes 31 de mayo se hará la presentación oficial de la temporada, que esta vez correrá a cargo del mediático Ramón Gener. Parece que las entradas se han agotado ya. Es lo que tiene la tele. No sé si Gener habrá venido gratis, pero me temo que no. Si de mí hubiese dependido yo hubiera preferido dedicar ese dinero o el de contratar producciones con vestuarios de Valentinoa elevar la calidad de los cantantes de algunos espectáculos, pero es lo que hay. También me gustaba más el formato elegido el año anterior, no por el rollo que nos soltaría Livermore contándonos por enésima vez sus aventuras con los taxistas valencianos, pero sí por el hecho de que el Intendente presentase directamente la temporada al abonado y se sometiera a sus preguntas. Este año parece que ha optado por más espectáculo y menos explicaciones. En cualquier caso, desde aquí seguiremos informando.

Ópera Perú

26 de mayo

Francesca Dego vuelve a Lima con Paganini

© TQPor Gonzalo Tello (Ópera Perú)Este fin de semana gozaremos de una verdadera fiesta italiana, ya que nos visitará por primera vez la afamada Orquesta de la Toscana, elenco basado en Florencia, Italia, que llega en gira a nuestro país acompañada de su director titular Daniele Rustioni. Este concierto es de la temporada 2016 de TQ Producciones.Esta afamada orquesta llegará con una solista que ha venido ya cinco veces a Lima, la muy joven y afamada violinista Francesca Dego. Ella ofrecerá el famoso y muy difícil Concierto para violín y orquesta no. 1 de Paganini. Una pieza tan complicada que es raro escucharla, pese a su enorme belleza musical.Pudimos conversar con ella antes de su llegada a Lima, tierra que para ella es muy respetada y a la que disfruta volver cada vez que puede.  ¿Qué percepción del público peruano tiene en esta quinta visita?La audiencia que encontré en Lima es una que está verdaderamente acostumbrada a la música clásica, que está respaldada por temporadas históricas de más de 100 años. Un público preparado, y, al mismo tiempo, al igual que en toda América Latina, un público muy muy caliente, joven y entusiasta, que a menudo hace falta aquí en Europa. Para mí siempre ha sido un placer!¿Cual es la relación que tiene con la Orquesta de la Toscana?La relación con la ORT se inició en 2008, con la Sinfonía Concertante K.364 de Mozart, y desde entonces he vuelto cada 2-3 años, por lo que es una relación que perdura. La Orquesta de la Toscana me ha visto, literalmente, crecer, dado que en la primera vez yo tenía 18 años de edad. Es una relación muy especial, en la cual he experimentado un gran repertorio. Esta es la primera vez que realizo Paganini, uno de mis más queridos autores, junto con la Orquesta della Toscana, entonces todo será particularmente especial.¿De qué manera trabaja con Daniele Rustioni este concierto de Paganini que va a presentar en Lima este sábado?Daniele Rustioni es un director que tiene, además de la experiencia de conciertos, un equipaje enorme en dirección de ópera, y esto lo lleva, para el programa seleccionado, a un nivel muy superior a otros directores con los que he trabajado. En el sentido de que está acostumbrado al "bel canto" italiano, el cuál es el estilo de este concierto. A pesar de que Paganini lo había compuesto para violín, es decir, para música instrumental, el tipo de escritura orquestal del Concierto y también el tipo de apoyo que acompaña al solista es muy similar al de la ópera. Emblemáticas son las palabras de Rossini: "Lo bueno es que Paganini no escribe ópera, porque de lo contrario estaríamos todos sin trabajo." Daniele, por su experiencia, es realmente sorprendente en la dirección de esta pieza. ¿Qué tiene de especial este concierto que lo diferencie de los otros?Cuanto a la parte de violín, y aquí pienso que están todos más o menos de acuerdo, es el concierto más difícil del repertorio a nivel técnico; verdaderamente de todos, y especialmente en la cadencia del primer movimiento. Se trata de una verdadera "lucha", un "ejercicio físico” para el violinista, y al mismo tiempo una obra llena de momentos extremadamente líricos, muy italianos, muy ligados tanto al italiano como a la tradición musical y a la música contemporánea de Paganini. Hay temas, más precisamente, en la segunda parte, que parecen verdaderas arias de ópera. Es una canción llena de momentos de virtuosismo que pertenecen al estilo "bel canto". El "bel canto" se traduce en virtuosismo y caprichos y, sobre todo en el caso del violín, en un acompañamiento de una voz aguda. Sin embargo, como he dicho, en la segunda mitad con voces muy graves. Sabemos que Paganini utilizaba mucho la cuarta cuerda, entonces estos temas infinitos, todos los que suben en la cuarta cuerda, siguen un poco el tipo de escritura para violoncello. Es una pieza que toco desde hace muchos años, pero sigue siendo cada vez, sin duda alguna, una de las cosas más difíciles para ejecutar.Francesca Dego se presentará con la Orquesta de la Toscana, dirigida por Daniele Rustioni, este sábado 28 de mayo a las 8:00 pm en el Auditorio Santa Úrsula. Esta Gala que presentará TQ Producciones presentará en la antesala una exhibición de la artista ítalo-peruana Elda Di Malio. Definitivamente será una gran fiesta italiana.Las entradas están a la venta en Teleticket.Francesca Dego, violínFrancesca Dego (Lecco 1989) se ha establecido como una de las mejores jóvenes artistas del panorama musical italiano. Editado por Deutsche Grammophon, su álbum debut con los 24 Caprichos de Paganini grabado en la ex-Ricci Guarneri del Gesù fue lanzado en octubre de 2012 y recibió grandes elogios de la crítica. Durante los siguientes dos años grabó las sonatas completas para violín de Beethoven, el primer volumen fue lanzado en la primavera de 2014. Ella también participó como artista invitada en el álbum de tenor italiano Vittorio Grigolo "Ave María", lanzado por Sony Classical.Ganadora de numerosos concursos nacionales e internacionales, en 2008 fue el primer violinista femenina italiana desde 1961 en llegar a la final de la famosa "Paganini Competition" en Génova y ganó el premio "Enrico Costa" por haber sido la finalista más joven.Francesca hizo su debut como solista a la edad de 7 en California, con un concierto de Bach, en Italia a los 14 años con el Concierto de Beethoven y a los 15 con Brahms en un concierto en Milán dirigido por György Györiványi Ráth y Sinfonía Concertante de Mozart en la Ópera de Tel Aviv con Shlomo Mintz. Desde entonces se presenta regularmente con las principales orquestas como la Sinfónica de Milán, la Orquesta Filarmónica de Niza, la Orquesta de Cámara de La Scala, Orquesta de Cámara de la Unión Europea, Orquesta del Festival de Sofía, la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires, "Arturo Toscanini" Orquesta Sinfónica, Arena di Verona Orquesta, los Solistas del Teatro Rostov Estado, Ópera Orquesta Sinfónica del Norte de Leeds, Israel Sinfonietta, Trento "Haydn "Orquesta Filarmónica de Turín," I Pomeriggi Musicali ", el Bolonia, Trieste, Génova y Bari Teatro Orquestas y la Orquesta della Toscana (ORT) junto a grandes solistas y directores como Salvatore Accardo, Christopher Hogwood, Bruno Giuranna, Gianluigi Gelmetti, Julian Kovatchev, Wayne Marshall, Antonio Meneses, Domenico Nordio, Donato Renzetti, Daniele Rustioni, Yoel Levi, Jan Lisiecki, Peter Stark y Xian Zhang.Ella aparece regularmente en salas y festivales de prestigio como el Wigmore Hall y el Royal Albert Hall de Londres, el Teatro Colón de Buenos Aires, de Moscú Tchaikovsky Hall y Filarmónica de San Petersburgo, Artes Orientales Center de Shanghai y NCPA de Pekín, Bruselas y Ginebra, "Les Flâneries Musicales" festival en Reims y "Generación Virtuoses" festival en Antibes, en el Líbano en el Festival al Bustan y en Perú por la Sociedad Filarmónica de Lima.Actuó como solista en los conciertos por la Vida y la Paz de Belén y Jerusalén con la Orquesta Giovanile Italiana bajo Nicola Paszkowski y en el 2014 el Día del Recuerdo del concierto en Roma, difundidas en todo el mundo por la RAI. En junio 2014, fue invitada para abrir la Copa Mundial de Fútbol en Brasil realizada en el Teatro Municipal Río de Janeiro.Próximos destacados incluyen debuts con la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo, Orquestra Sinfónica Portuguesa de Lisboa, Tokio Symphony Orchestra en el Suntory Hall, Kyushu Symphony, la Orquesta Filarmónica de Armenia, Orquesta Sinfónica del Estado de Tarstastan (Rusia), Orquesta de Cámara di Mantova, Tailandia Filarmónica y la Philharmonique du Liban.Su grabación en directo del concierto de Beethoven a los 14 años de edad comprendía una gran parte de la banda sonora del documental "The Gerson Miracle", ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cine de 2004 Beverly Hills y selecciones de sus discos han sido incluidos en la banda sonora de la película de 2008 del director premiado Steve Kroschel "The Beautiful Truth".Francesca toca un precioso violín Francesco Ruggeri (Cremona 1697) y ex-Ricci Guarneri del Gesù (Cremona 1734) por cortesía de Florian Leonhard Bellas violines.




Musica Antigua en Chile

19 de mayo

El organista Luis González Catalán ofrece concierto en el recuperado órgano Carlini/Moir de la Iglesia San Francisco

Miércoles 18 de Mayo, 20:30 horas.  Iglesia Colonial de San Francisco Metro Universidad de Chile. Entrada liberada. PROGRAMA. ANÓNIMO: Primus Punctus - Quartus Punctus (de Estampie Retrové del Robertsbridge Codex, Inglaterra, c 1325/50) ATTAIGNANT: Seis versillos  sobre el KyrieConctipotens (Francia, 1531) ANTONIO DE CABEZÓN (1510-1566): Diferencias sobre el Canto del Cavallero ADRIANO BANCHIERI: Dialogo perorgano (L’Organo Suonarino, Venecia, Italia 1605) JAN PIETERSSON SWEELINCK (1562-1621) Fantasía Cromática. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): “Christ lag in Todesbanden” JOHN STANLEY (1713-1786): Organ Voluntary Op 7, No. 7 (Londres, Inglaterra 1754) CARL ZCERNY (Viena, 1791-1857) Preludio y Fuga en La menor Opus 603, no. 3 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Andante KV. 616 JOSEPH HAYDN (1732-1809) Piezas para Reloj de Flautas 23 y 24 (1793) MAX BRAUN (1830?- +?) Voluntaryen Sol menor (USA, siglo XIX) REMO GIAZOTTO (1910  -  ) Adagioen Sol menor sobre apuntes de Albinoni (1959) ANÓNIMO S. XVIII: Toccata con Fuga Pedaliter ex D (atribuida a J.S. Bach)  Notas al programa El concierto de esta tarde se propone mostrar los avances que se han hecho en la recuperación del órgano Carlini/Moir de la Iglesia San Francisco. Re-inaugurado el 21 de Marzo de 1985, el instrumento debió sufrir otro terremoto de grandes proporciones. Gracias a las gestiones del ingeniero Marnix Doorn, también organista y gran amigo mío, se pudo conseguir fondos para realizar la recuperación del teclado principal y de la pedalera. Al terminar esta primera etapa de los trabajos, en que agradezco la labor de mi hermano Patricio, de mi sobrino Luis Patricio, y de mi alumno Luis Araya, presento a ustedes un programa que consiste en un paseo musical a través de los siglos con composiciones que, aunque más bien modestas en sus dimensiones, son altamente interesantes por ser todas y cada una de ellas de gran belleza y calidad musical. El oyente podrá hoy  escuchar la más antigua obra para órgano, los versillos que tocaba el organista al alternar con la Schola, el arte de la Variación en manos de dos grandes maestros, Cabezón, y su “heredero” Sweelinck. Presento además una interesante composición de Banchieri basada en el efecto de “ecos”. Bach ilustra admirablemente un coral, en forma de Preludio, obviamente destinado “A la mayor Gloria de Dios y a la enseñanza del Prójimo”. La música italianizante del siglo XVIII se hace presente en John  Stanley, y la “docta” en Carl Czerny, a quien solamente conocíamos por “tediosos” ejercicios pianísticos. Muy poco conocidos en nuestro medio son los trozos de música destinados a los tubos del órgano, “sin organista”: Las Piezas para Reloj Mecánico. Y, a causa de la gran deuda que tengo con Estados Unidos, que me dotó de becas para estudiar y que me dio la oportunidad de trabajar allí, presento a un poco conocido compositor, inmigrante evidentemente, que transforma el género Voluntaryen un medio romántico fácilmente integrable al culto sagrado. Por fin, llegamos al siglo XX con Remo Giazotto, el compositor de una de las obras más oídas a fines del siglo XX, y con la que es, ciertamente, la más famosa obra destinada al órgano, atribuida al “gran” maestro del órgano de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach.             La Estampie era una danza medieval francesa que se ejecutaba con o sin texto, cuya forma derivaba de la Secuencia. Cada una de las diferentes secciones recibe el nombre de Punctus, cada una con dos terminaciones.             Hasta el siglo XX permaneció la práctica Alternatim, consistente en alternar el canto gregoriano con pequeñas piezas de órgano, tanto en el Ordinario de la Misa como en los Cánticos e Himnos de la liturgia. Las publicaciones de Pierre Attaiganant (c 1494-1552) contienen canciones, danzas, motetes y movimientos para la Misa y el Magnificat. Los versillos que escuchan esta tarde presentan el tema en el bajo- soprano- soprano – tenor.             Las Diferencias son variaciones sobre un tema religioso o profano. Maestro insuperado de la variación en su época, Cabezón presenta el tema armonizado a cuatro voces seguido de variaciones a tres y cuatro voces. Esta pieza será tocada en el registro de lengüeta llamado Cromorne, el antiguo Clarinete del órgano Carlini.             El Diálogo de Banchieri ofrece indicaciones de registración: Principale e Ottava – Levassi Ottava – Pieno e Grave. En consecuencia escucharán ustedes el Principal de 8 pies con y sin la Octava de cuatro pies. La pequeña obra concluye con el Pieno, esto es, el registro de Mixtura.             El organista Holandés Jan Pietersson Sweelinck mereció el sobrenombre de “Hacedor de organistas” por sus grandes condiciones pedagógicas. La Fantasía que escuchan se basa en diversas manipulaciones de “la cuarta cromática descendente”, esto es, las notas Re, Do#, Do, Si, Si bemol y La: Un intervalo de cuarta, hacia abajo,  que se llena con semitonos.             Del Pequeño Libro de Órgano proviene el coral de resurrección “Cristo yacía en los lazos de la muerte”, que tiene sus raíces en la secuencia Victimae Paschali Laudes. En la gozosa exaltación de esta obra, Bach celebra la victoria de Jesús sobre la muerte.             El organista ciego Charles John Stanley publicó tres cuadernos de diez Voluntariespara órgano cada uno. El que presento hoy, en Mi menor, consta de dos secciones, una lenta Adagio – Diapasons, y la otra rápida, Cornet.             Pianista, compositor y profesor, Carl Czerny dedicó al órgano cuatro números de sus Opus: 603, 607, 627, y 698. En sus fugas muestra el autor el gran dominio que poseía de la ciencia del Contrapunto.             Dos compositores austríacos, Haydn y Mozart, dejaron joyas musicales pequeñas destinadas a relojes musicales con tubos de órgano; al dar la hora, se ponía en acción un mecanismo que proveía de aire y que activaba las correspondientes notas musicales de un cilindro. También Haendel y Beethoven contribuyeron a ese tipo de literatura musical. Poco se sabe del compositor y organista estadounidense Max Braun (Brown), probablemente de origen alemán, excepto que fue activo como organista de las iglesias Católico/Romanas de San Carlos Borromeo de Brooklyn hasta 1860, en que se trasladó a St. Paul’s. Se desempeñó además como profesor de piano y de clarinete.  Mundialmente conocida como el Adagio de Albinoni, la composición llamada Adagio in Sol minore de Remo Giazotto indica que se basa en dos apuntes temáticos y un bajo cifrado del famoso compositor veneciano Tomasso Giovanni Albinoni (1671-1751). La obra fue originalmente orquestada para instrumentos de arco y órgano, y existen transcripciones para distintos medios musicales, siendo la que yo toco esta noche emanada del mismo Remo Giazotto.También la Tocata y Fuga en Re menor, obra que debe su fama al hecho de que fue fue integrada en la segunda versión del “Fantasma de la Ópera” y en la primera versión de “Fantasía”. La obra habría tenido su origen en una composición para instrumento de cuerda: Una improvisación en violín. El manuscrito, de mediados del siglo XVIII, es del alumno de un alumno de Bach.

Pablo, la música en Siana

12 de mayo

El tiempo siempre ayuda

Miércoles 11 de mayo, 20:00 horas, Sala de Cámara del Auditorio de Oviedo, III Primavera Barroca, “Con affetto”: Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini (flautas y director). Obras de Tarquinio Merula, Dario Castello, Francesco Rognoni, Jacob van Eyck, Andrea Falconieri, Giovan' Pietro del Buono, Alessandro Scarlatti, Giovanni Legrenzi y Antonio Vivaldi. La revista Scherzo de este mes de mayo dedica su sección "Con nombre propio" a la formación Il Giardino Armonico en su gira española celebrando los 30 años de su fundación, donde Eduardo Torrico nos recuerda que "Hubo un tiempo, superada aquella primera fase pionera, en el que quienes marcaban la pauta dentro del movimiento historicista eran los ingleses, los holandeses y, en menor medida, los alemanes", allá por los 70 y 80 del pasado siglo, sin olvidarse de los franceses que comenzaban a despuntar y convertirse en seria competencia aunque la revolución no había llegado al sur de Europa. El salto de calidad hacia el Mediterráneo, al cálido sur, lo darían nuestro Jordi Savall, a quien los franceses, como suelen hacer con los buenos, le consideren suyo, y especialmente los milaneses de Il Giardino Armonico con el entonces joven flautista Giovanni Antonini al frente. Más de tres décadas en el candelero (que no candelabro como "La Mazagatos" pusiese de moda) es síntoma de buena salud, tanto para ellos como para la música barroca que sigue llenando estanterías y auditorios (la sala de cámara creo que registró la mejor entrada de un ciclo que todavía nos traerá a Xabier Sabata con Vespres D'Arnadí en un programa "Furioso"), ampliando repertorio y épocas donde aparece incluso Haydn del que grabarán su integral a razón de una entrega por año (ya llevan dos) tras constituir en Basilea, dónde si no, la Fundación Haydn con el "Proyecto Haydn2032” para el tercer centenario del nacimiento del "papá austriaco", al que espero llegar y poder completar con ellos siempre que el tiempo y los recortes políticos no lo impidan. La gira española que pasa estos días por La Coruña, Oviedo y Madrid, trae una formación o "ensemble" ideal con un programa que sirve para corroborar la vigencia de la música veneciana con compositores que nos son conocidos gracias a ellos, alternando obras para lucimiento de un Antonini dominador de toda la familia de las llamadas flautas dulces o de pico (contralto, tenor, soprano y hasta la piccolo última) que perderían su preponderancia a costa de la "flauta traverso" (travesera) y que muchos siguen asociando a la flauta dulce de los colegios, nada que ver la práctica de nuestros querubines y adolescentes soplando un instrumento que las familias y algunos de ellos pueden llegar a odiar, pero en igual medida que un violín "serruchado" por un aspirante a Sarasate. Y hablando de violines, Stefano Barneschi y Marco Bianchi encabezan esta vez la formación (Enrico Onofri está también de gira) a la que se suman el violonchelo de Paolo Beschi, el clave de Riccardo Doni más la tiorba de la argentina Evangelina Mascardi, más que suficientes para afrontar tanto a Merula como a Castello, siendo perfecto complemento de las obras con flauta y verdaderas joyas incluso sin el director fundador, como pudimos comprobar con estos excelentes instrumentistas que siguen funcionando en conjunto al mismo nivel estratosférico que como solistas. El entendimiento de este quinteto es de admirar por empaste, dinámicas amplísimas, equilibrio y balance cuando los solos afloran, dominio total desde una técnica vertiginosa en todos ellos que cuando suenan las flautas de Antonini se convierten en la vestimenta ideal sin necesitar más tela que la presentada, tal es el armazón y ropaje que dan al concierto. La música veneciana de Merula con la Canzon 'la Pedrina' y Castello con la Sonata XI a tre, de la Sonate Concertate in Stil Moderno nos transportó a "la Serenissima" en estado puro, un viaje al pasado de nuestra juventud con aquello que entonces nos parecía rompedor y drástico, como siempre sucede con lo nuevo que solo el tiempo pone, como siempre, en su sitio, plantilla de cinco virtuosos con especial mención a los violinistas sonando como uno en todo: dinámicas, ataques, arcos, intención y sentimiento, sin saber dónde empezaba uno y terminaba el otro, virtuosismo contagiado a cada instrumento antes de la aparición de la flauta de Antonini sentando a todos menos a chelo y tiorba, sin pausas, para las Variaciones sobre “Pulchra es amica mea” de Palestrina compuestas por el también milanés Rognoni y recordarnos el magisterio en la flauta dulce tenor dejándonos impresionados de nuevo con su técnica, su sonido y esa musicalidad infinita que todos estos intérpretes tienen en estas obras, alternando combinaciones y protagonismos donde no podía faltar el increíble solo de flauta de Van Goosen compuesto por el que he llamado “Paganini de la flauta barroca”, el holandés Jacob Van Eyck, obra hasta lógica por ser Antonini uno de los maestros del instrumento, una mínima incursión dentro del plantel italiano, y hasta homenaje a la flauta de pico, antes de volver con Merula y la Canzon 'la Strada' solamente con el ensemble. Me gusta resaltar lo importante no ya de elegir un programa sino la organización y orden de sus obras, cosa que quiero comentar de nuevo pues la primera parte complementaba la segunda, como preparando estilos y formas, más los descansos del flautista para recuperar aliento que permitieron seguir deleitándonos con "su formación acompañante", de nuevo este quinteto que nos dejó unas excelentes Folias echa para mi Señora Doña Tarolilla de Carallenos de Falconieri (o Falconiero), la danza tan española que parece bailó Don Quijote, disfrutando de un perlado clave y una tiorba emergente preparando el ambiente musical de todo el grupo para un juego de contrastes donde la flauta se mezcla con el violín en una tímbrica mágica, uniéndose el empuje rítmico de un baile en Nápoles en tiempos donde este reino era español, como las siguientes dos maravillas que cerrarían la primera parte con la formación al completo: la Sonata VII sobre el 'Ave Maris Stella' de Del Buono, intimismo con paleta dinámica amplísima, a la que siempre ayuda el violonchelo unido a esa tiorba tan femenina, en el amplio sentido de la palabra, cortando la respiración y finalizando con una atronadora ovación antes de finalizar esta mitad con la Sonata en la menor para flauta, dos violines y continuo de A. Scarlatti, una colección de siete compuesta en los años finales como bien indican las notas al programa (colocadas aquí debajo), prescindiendo del clave pero igualmente rica de contrastes tímbricos a lo largo de sus cinco movimientos, alternando aires y dinámicas desde esa concepción del barroco que Il giardino armonico ha ayudado a tenerla como habitual, con Giovanni Antonini de solista y director perfectamente compenetrado con sus músicos. La segunda parte nos hizo retroceder y recuperar años con muchos recuerdos de la mano del ahora maduro flautista y su “jardín armónico” con el repertorio que ellos dominan como pocos, gracias en parte al trabajo de tantos años. El “ensemble” nos llevó de vuelta a Venecia para maravillarnos con la Sonata XII de Castello que permitió disfrutar cada intervención solista (la tiorba emergió a la superficie poderosa, limpia y lucida, el clave ornamentando con ligereza y la cuerda frotada en permanente asombro para el que firma), y otro tanto con la Sonata I para dos violines, violonchelo y continuo “La cetra”, op. 10 nº 1 de Legrenzi con la magia de los dos violines citados. Pero los concerti para flauta de Vivaldi que abrían y cerraban esta segunda mitad, siguen siendo referentes con “Il Giardino de Antonini”, barroco en estado puro para los dos conciertos elegidos, el Concierto para flauta, dos violines y continuo en sol menor “La notte” RV 104, de tiempos extremos, silencios subyugantes, ataques súbitos y casi violentos frente a los remansos paradisíacos, de flauta inacabada e inabarcable, cantando y jugando con floreos interminables, la descripción musical de los propios movimientos: Largo por las respiraciones, Fantasmi: Presto-Largo-Andante porque no parece humana tal capacidad de emitir sonidos tan bellos, Largo de plácida sensación de reposo contagiado por la lenta construcción de acordes entre cuerda y flauta (que nos recuerda mucho las estaciones entendidas por ellos mismos) y finalmente Il Sonno: Largo-Allegro donde hasta Freud podría argumentar desde la música con significado pese a ser "simplemente pura", el sueño profundo antes del despertar sobresaltado pero placentero y sin pesadillas. El cierre del Concierto en re mayor para flautín, dos violines y continuo “Il gardellino” RV 90 continuó asombrando con el piccolo virtuoso y travestido del "ladrón traverso", más increíble por tener de sustento unos músicos que convencen y contagian ímpetu, alegría, serenidad además de buen gusto y buen hacer desde la técnica al servicio de la música, creo que el ideal para cualquier melómano, compartiendo con la flauta de pico más pequeña los momentos álgidos de la historia del propio instrumento en unas partituras que siguen asombrando cada vez que vuelven a sonar, siempre únicas en vivo. Antonini sigue doblándose para dirigir y tocar, cargando los pulmones para sobrevolar sin respiro lo humano y divino, adornar los ornamentos y tocar hasta los silencios, y en número ideal por ser "de cámara", quién sabe si idéntica plantilla a la que podría utilizar "Il prete rosso" en el Ospedale della Pietà. Pájaros imaginarios en las calles venecianas del Allegro, primoroso el diálogo con el cello; el Largo cantabile sin los violines pero saboreando la tierra firme con chelo, clave y tiorba arropando la sopranino nunca hiriente, atentos a las respiraciones y ornamentos para seguir encajando todo, y la explosión de fuegos artificiales sobre el Gran Canal en Carnaval con el Allegro en tutti, asombrando el dúo de violines (los ecos no pueden sonar mejor) pero donde cada detalle seguía maravillando por las calidades. Y lógicamente tenía que sonar también y tan bien Vivaldi en la propina: su Largo del Concierto en la menor, RV 108, abandonando el juguetón pícolo para retomar la contralto más humana en registro y poder así cantar sin palabras con la mejor vestimenta del quinteto, un "jardín" que sigue floreciendo 30 años después. Que duren por lo menos dieciséis años más, y no solo por Haydn...



Ya nos queda un día menos

9 de mayo

Revisitar un clásico: Haydn y Boccherini por Du Pré y Barenboim

Conviene repasar los clásicos: Concierto para violonchelo nº 1 de Haydn y Concierto para violonchelo nº 9 en Si bemol mayor de Boccherini –arreglo decimonónico de Friedrich Grützmacher– en interpretación de Jacqueline Du Pré, Daniel Barenboim y la English Chamber Orchestra registrada por el sello EMI en abril de 1967, y ahora disponible en descarga de alta definición que mejora de manera sensible la primera encarnación en compacto (que era la que yo tenía). La revisión ha merecido la pena. Nada nuevo que decir sobre Du Pré. Su sonido es bellísimo. Su fraseo cantable a más no poder, y muy rico en vibraciones: olvídense los radicales del historicismo. Su expresividad, tan intensa como contenida, de regusto agridulce –nada de blanduras– y por completo ajena al narcisismo. Pero de Barenboim sí se puede decir algo, y es que su visión del clasicismo es hoy bastante más rica que antaño, y por eso mismo ahora más convincente. Y es que, a sus veinticuatro años de edad pero rebosante de talento, el de Buenos Aires estaba empeñado en luchar contra una visión superficial de este repertorio –me refiero a Mozart fundamentalmente, pero también a este Haydn y a este Boccherini–, ofreciendo interpretaciones severas y sin concesiones, parcas en chispa, en sensualidad y en coquetería. Directas a la esencia de la expresión, pero que por ello mismo en exceso unidireccionales. Los movimientos extremos de estos dos conciertos, para concretar, resultan en exceso serios: hoy día seguramente los abordaría con más riqueza de concepto, reconociendo que la hondura espiritual no está en absoluto reñida con la capacidad para reír con la música, para desplegar chispa y picardía, incluso para caer en alguna frivolidad bien entendida. En contrapartida, los respectivos movimientos lentos son un prodigio, muy particularmente en el caso de Boccherini, un Adagio non troppo impregnado de hondura, de carácter reflexivo y de no poca desolación. Marcado por el pathos, ciertamente, pero sin la menor tentación de romantizar en exceso la página: la contención prima en todo momento tanto en lo que a la batuta como en lo que a la solista se refiere. La English Chamber está formidable, resultando muy atractiva la fusión entre el carácter camerístico de la formación británica y el músculo sonoro tan caro a Barenboim; este último, en cualquier caso, frasea procurando no caer en la pesadez ni en veleidades más o menos románticas, sino teniendo muy en cuenta aspectos como la agilidad y la severidad puramente neoclásicas. Una última reflexión: Barenboim tenía veintuatro años y la Du Pré tan solo veintidós cuando se realizó este registro. Qué enorme talento, maravillosamente madurado desde entonces hasta la actualidad en el caso de él, injustísimamente truncado el de ella. ¡Cuánto se perdió con su enfermedad!

Pablo, la música en Siana

7 de mayo

No pueden faltar

Viernes 6 de mayo, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo: "Cuaderno de viajes I", abono 12 OSPA, Golda Schultz (soprano), Alessandro De Marchi (director). Obras de Haydn, Mozart, Beethoven y Mendelssohn. Sin descanso y apurando esta temporada de aniversario que ya no se detendrá hasta el próximo mes, volvía la OSPA con un programa de esos que no deben ni pueden faltar, clásicos que mantienen este repertorio básico para intérpretes, músicos y público en general,  pues además de la música de nuestro tiempo (más exigente en cuanto a su escucha) los grandes también son nuestra herencia y siguen llenando las estanterías de tantos melómanos. La orquesta volvió a demostrar su solvencia, calidad y excelente estado de forma en todas las secciones, disfrutando con la interpretación de unas páginas imprescindibles, ideal en plantillas para este duodécimo de abono, llevada por un director italiano que se hizo entender (interesante la entrevista para OSPATV), claro en el gesto, preciso, compenetrado con una formación como la asturiana versátil no solo en repertorio, capaz de amoldarse sin fisuras a las más diversas batutas. Hoy podríamos hacer esta entrada utilizando los títulos de las obras: La isla deshabitada de un Auditorio sigue perdiendo público, tal vez por el Ah! Pérfido tiempo de una climatología escocesa que haría preguntarse Voy, pero ¿dónde? ¡oh dioses y perdiéndose un concierto completo y agradable. La obertura de L'isola disabitata, H. Ia:13 (Haydn) con una formación para la ocasión (aunque sin clave) resultó ideal para las muchas cualidades de orquesta y director: dinámicas amplias, lirismo, empaste entre secciones (excelencia en el dúo de trompas), buenos balances además del empaque habitual que en menor número de músicos resalta todavía más la gama de matices que atesoran los integrantes de nuestra orquesta, bien resaltado cada detalle por el italiano De Marchi para esta página operística pero marca del llamado "padre de la sinfonía", luces y sombras hechas música al más puro "Sturm und Drang". Sorpresa agradable la soprano sudafricana Golda Schultz que sin poner la piel de gallina está dotada de una maquinaria perfecta, excelente técnica para afrontar las dos partituras que la trajeron a Asturias, emisión clara, color vocal con cuerpo y homogeneidad en todos los registros sin olviarnos del grave, corriendo sin problemas por la mayor o menor densidad orquestal, cambiando los omnipresentes oboes por los clarinetes tan del gusto de los "vieneses" Mozart y Beethoven, éste todavía clásico en forma. El aria Vado, ma dove? Oh Dei!, K. 583 (Mozart), cuya historia figura en las notas al programa de Rafael Banús Irusta (enlazadas al principio con los autores), ya comienza a incluirse en el segundo acto de Le nozze di Figaro, calificadas como "piezas de bravura" que la solista defendió con solvencia y eficacia bien concertada por un De Marchi con la orquesta sonando en el plano idóneo, contestando, acompañando, preparando y completando esta maravillosa partitura del genio de Salzburgo. Y otra aria de concierto que pocas veces se escucha en ellos, aunque este año fuese la segunda ocasión en este mismo Auditorio, Ah! Pérfido, op. 65 (Beethoven), misma atmósfera vocal y orquestal pero exigente en cuanto a fuerza y extensión en el amplio sentido del término musical, un recitativo exigente y un aria todavía mayor, con la soprano bien anclada en su ejecución a la que le faltó ese punto de emoción para transmitir emociones con todo el mimo orquestal. Las dos arias con textos traducidos por Luis Gago pudimos seguirlas, luces de sala encendidas facilitando su lectura, calidad y calidez en la sudafricana, belleza vocal y una técnica irreprochable que es necesaria para alcanzar la excelencia cuando se le suma entrega y carisma. Difícil aunar ambas cualidades que no siempre han tenido algunos de los grandes intérpretes (no solo voces), y personalmente siempre decantándome por la emoción con menos técnica que no a la inversa, pues las dos están al alcance de unos pocos elegidos. Las sinfonías de Mendelssohn deberían figurar como "obligadas" en los conciertos, son ideales para pulsar el grado de trabajo y calidades de todas las orquestas con unas plantillas no siempre del tamaño que exigen otros compositores, amables de escuchar y de trabajar, algo que De Marchi con nuestra OSPA volvió a corroborar, un romántico que compone "a la manera clásica" como así lo entendió el director italiano. La Sinfonía nº 3 en la menor, op. 56 "Escocesa" (1842) sacó de la orquesta lo mejor de ella en un crecimiento prolongado a lo largo de esta temporada que esperamos alcance el cénit en lo que aún nos espera, y es que no cabe ningún reproche en cuanto a entrega y musicalidad. Cada movimiento supuso un escalón de calidad y emoción, una cuerda dúctil y bien compensada para el Andande con moto-Allegro agitato con los primeros planos de los violines y cellos reondeados por los contrabajos (la tarima ayuda a redondear los graves), la madera siempre segura, unos timbales discretos en presencia pero imprescindibles, y el ímpetu necesario para el cambio de tempo bien llevado por De Marchi, sacando cada dibujo a flote en las distintas secciones, tensión en el punto justo, disfrutando de los clarinetes (hoy Antonio Serrano de solista) y creando ese ambiente sombrío tan parecido al asturiano que la OSPA transmite como nadie. El Scherzo: Assai vivace continuó esa tensión del primer movimiento con apenas espera entre ellos, buscando unidad en el discurso y mantener el ambiente alcanzado, la alegría del motivo en la madera siempre talentosa, el cuarteto de trompas que sigue sonando compacto y mejorando en cada concierto, uniforme, orgánico y en perfecto entendimiento junto a las trompetas, la cuerda brillante y clara, con unas violas y cellos también protagonistas amén del ya comentado sustento de los contrabajos, apostando el director italiano por un aire ligero que permitió disfrutar de todos ellos. Los tiempos lentos son perfectos para saborear la musicalidad de los primeros atriles, siempre seguros y aportando el plus de magisterio y confianza en ellos depositada, dejándonos un Adagio cantabile de belleza inconmensurable, sonoridades claras en los "pizzicati", arcos cantantes a más no poder, armonías completadas por un viento etéreo que pasa al primer plano casi de puntillas pero haciéndose oír, majestuosa serenidad antes del último movimiento Allegro guerriero - Finale maestoso, literalmente guerrero y majestuoso por el impulso desde la batuta, el empuje orquestal, los contrastes rítmicos, el brillo de la cuerda, el arrojo de los timbales, las contestaciones de la madera, la presencia del metal, las calidades en cada detalle sin decaer a lo largo de los compases, reposos mínimos en el tema principal que crece desde la unidad sonora. Una sinfonía "asturiana" comandada por un italiano con las ideas claras bien interpretadas que deja las expectativas muy altas por el programa elegido para el abono 13 del viernes 13 sin supersticiones, segunda etapa de este "Cuaderno de Viajes" para una orquesta sin prisas pero sin pausas en plena madurez de plata que nunca se acaba.

Joseph Haydn
(1732 – 1809)

Joseph Haydn (31 de marzo de 1732 - 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío para piano y en la evolución de la forma sonata. Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original». En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa. Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven. El listado completo de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.



[+] Mas noticias (Joseph Haydn)
21 oct
La Discoteca de H...
3 oct
Ópera Perú
1 oct
Ópera Perú
22 sep
Ópera Perú
22 ago
Esfera Wordpress
14 ago
Scherzo, revista ...
18 jul
La Discoteca de H...
16 jul
Scherzo, revista ...
5 jul
La Discoteca de H...
4 jul
rtve.es - música ...
4 jul
El Blog de Atticus
16 jun
Ópera Perú
15 jun
Pablo, la música ...
14 jun
Ipromesisposi
7 jun
Ya nos queda un d...
5 jun
Pablo, la música ...
29 may
Ópera Perú
27 may
Ópera Perú
21 may
Ipromesisposi
16 may
Pablo, la música ...

Joseph Haydn




Haydn en la web...



Joseph Haydn »

Grandes compositores de música clásica

Las Estaciones Sinfonias Conciertos Opera Sonatas

Desde enero del 2009 Classissima ha facilitado el acceso a la música clásica y ha expandido su público.
Classissima ayuda tanto a aficionados como a expertos de la música clásica en su experiencia con la internet.


Grandes directores de orquesta, Grandes intérpretes, Grandes cantantes de ópera
 
Grandes compositores de música clásica
Bach
Beethoven
Brahms
Chaikovski
Debussy
Dvorak
Handel
Mendelsohn
Mozart
Ravel
Schubert
Verdi
Vivaldi
Wagner
[...]


Explorar 10 siglos de la música clásica...